就像我拿到一首曲子，然后熟练度跟上了，可是我只能达到这个程度…要是让我一点不错地弹一遍很难，每次都会出一些错的地方 还有曲子感情总是不到位…所以现在我虽然练过好多曲子 像什么即兴幻想 月光 爱之梦，但是没有一曲真正拿得出手…就是可以上台表演的程度，是怎么回事？

很正常啊。

先假定你学习的路线方法没有什么大问题，基本功方面没有比较大的偏差。一般来说，「正在学xx作品」的程度肯定是无法比较完美地演绎xx作品的。想要比较完美地演绎xx作品，那一定要具备可以完成更难的作品的程度。比如说正在学599的人就算练到死，也肯定不能完美演奏599，要完美演奏599至少得有个学到849或者299的程度才保险。所以如果题主正在学上述作品（而且是第一次接触该难度的作品，不是回炉）那么弹不到自己满意的程度很正常，如果选择难度明显低于现在弹的曲子的作品（比如说找个业余5-6级的小曲），就会有比较富裕的精力去顾及细节，打磨到比较精的程度。题目中的《幻想即兴曲》《月光》《爱之梦》这种虽然也都是所谓的「比十级稍微难一点」的技术难度，但是要有精力完美演奏，还是最好具备弹更难一些的作品（比如说中档肖练）的能力，向下兼容肯定比向上硬够轻松多了。

当然也还有一种可能，就是弹当前程度的作品只能马马虎虎完成，但是此时就算弹个程度低很多的作品也不能很完美的完成，那就要考虑是不是基础薄弱，以及对音乐的审美意识不足了。这种情况就需要找（换）个好老师重新好好引导一下了。

最后还有一种可能就是「道理我都懂，曲子也不算很难，但是很难静下心来一点点去打磨细节」，这种情况其实不同学习程度的人，不论是业余还是专业都有可能出现，包括我本人这种自认为比较努力的一样也会有，这个心态浮躁的问题可能只能自己找各种强有力的措施来克服了（比如说找个学费很贵的厉害老师学，你还敢不细抠？）hhh。

1. 我向来觉得这种情况，是因为没弄懂这首曲子。或者说是没理解这首曲子。

2. 可能没有理解和声走向，我的意思不仅仅是音级，而是什么时候是伴奏，什么时候是旋律，什么时候这个地方是一种音色，什么时候他给了各种终止类型。

3. 指法上出现错误。

4. 没有在人面前有演的习惯，我个人在上台前，一定找不同的人不断听，听到我完全自如为止。

5. 侧重点有点问题，音乐中没有错音，你更该反过来练习，我的意思是先练整体，再练结构，再练衔接，再钻细节。

6. 双手分开练，唱旋律。唱旋律，演奏左手，或者相反。

7.习惯练句子，可能没有弄懂乐句在哪里，请打标点符号给自己做提示。

8. 错了立即改，肌肉是有记忆的。如果说不断的重复错误，基本上也就一直错下去。

9. 慢练，不要听那些毒文说慢练害死人。在最高级别音乐学院也好，世界顶级交响乐团出来的人也好，所有人的建议都是慢练。这是我在我的采访中得到的一致总结。因为音乐某一部分是将动作协调达到极致。

10. 情感。是在技巧之上的。先不要慌著谈情感。先将所有强弱做好。做到极致，该爆发的时候爆发。该静止的时候静止。其次，学会在乐句间呼吸。音乐是一门语言，你对著人家不停地说，你自己累，人家也累，这些做好了，你的情感提高百分之70。以及多唱。

11. 大量无准备演奏。每天起床把这曲子弹一遍。当作音乐会。这是看你曲目完成度最直接的方式。

12. 多听，听听好的音乐家如何处理。你会发现音乐演奏最终，寻找的是自我。每个人的特色，如果仅仅将维度停留在谱面，可能演奏会很费力。

13. 多砸场，我鼓励人多砸场，因为演出这件事情，砸多了就心态松了。心态一松，演出就很自如。

以上是我想到的，如果有天能想到别的，再来补充。

祝你成功。

曲子难度超过你的能力了。有两个解决方法：

1.盯著一首曲子死抠，抠好为止。

我发现很多学生都有这类问题，知道弹得不好，但不知道怎么改好。原因在于无法精准定位自己的问题究竟出在哪。

比较容易出问题的比如说，段与段的衔接处；大幅移位的衔接；两个手同时有难点时怎样安排注意力等等。

首先要精准定位问题，才能针对解决问题。

2.把手头的曲子先放一放，刷一些其他曲子，稍微简单一点的，或者技术类型比较集中的。能力提高一点再回头复习以前的曲子。

那些曲子可能对你太难了，换些简单的曲子。

比如，《爱之梦》里的前后两段「华彩」，如果你不能按照原速无错音、无漏音、有表现力地连续演奏十遍以上，那还是暂时换个容易些的曲子。

1. 完成一首曲子的标准是什么？如何判断我是否完成了？

完成一首曲目的最低标准，是节奏稳定的情况下，尽量的不出错不中断。只有在对一首曲子完全熟练的情况下，才能处理好更深层次的东西。

如果没有办法把「感情」和完成度同时处理好，那你可以先把完成度搞定，再来好好斟酌每一句的「感情」要怎么处理。

根据题目描述中的「熟练度跟上了……要是让我一点不错地弹一遍很难，每次都会出一些错的地方」，这其实不算熟练度跟上了。真正的熟练和完成有一项重要的标准，就是弹奏的可复制性。

当然这里并不是指每一遍都要演绎地分毫不差，而仅仅是指不要出错而已，所以也可以称为质量上的稳定性。

要使曲子达到具备了可复制性的完成度，你需要落实有目的性的努力，有计划地一步步达成目标。

2. 如何提高完成度？

学会「计划」和「拆分」。

计划：明确目标，告诉自己在规定的时间段内要完成几个部分，多少内容。例：在未来的30分钟内，我要完成1~16小节的顺利弹奏。

拆分：把大目标拆分细化成一个个小目标。不进行合理的拆分，很容易陷入盲目练琴，一遍遍机械性重复的状态。例：1~4小节先练熟，其次再练5~8小节，以此类推，适当的时候可以从头开始顺一遍。

3. 如何解决每一遍都出错的问题？你要先知道问题在哪。

很多时候，人们容易沉浸在一种知道出了问题，但完全不知道如何解决问题的状态，或者，根本没有真正思考过如何解决。

每一遍都出错的原因，就在于从来没有从细节上去正视这个错误，把错误的小段落挑出来，反复多练。而是每一次重复时总是从头开始，弹到结尾。

练完成度，一个非常简单的逻辑是，当你对每一个细节都足够掌握的时候，整体才能被顺下来。

每一次没有被完整地完成的整体，都在于细节上的不足。

解决方法：因此你只需要在现在开始，弹三遍这曲子，然后告诉自己，这一遍开始的我不为任何别的原因，也不要沉迷在某段可以熟练弹奏的音乐快感里，而是为了把细节上的不足找出来。当我每一次错了，我就把这个错误的地方用笔圈出来。

基本三遍下来后，这些圈出来的地方，就是目前你需要精练，然后解决的地方。

一个很大的可能是，你在这个过程中会不经意间忘记了自己的初衷，不小心又陷入到盲目练琴的状态了。这是长期没有规划和方法练琴的人统一会出现的问题，就好像刷多了微博和抖音的碎片化信息，就感觉很难在没有手机的时候集中注意力去做一件事情。你需要一段时间的适应，记得在意识到自己脱离目标和跑偏了的时候，把自己拉回来。

4. 圈出问题以后，怎么精练它们？

慢练。

慢练是解决几乎所有困难段落，最有效的方式。

很多老师都会要求学生一定慢练，可是从不说为什么，导致学生无法体会到慢练的好处，习惯于在快速的磕磕碰碰中完成作业。首先要定义这个「慢」：慢到你能够流畅完成整首曲目或片段而不中断的速度。慢练有如下三个意义：

1、保证音乐节奏的流畅、完整性。我们一直强调，音乐的声音才是是弹琴的结果，尽可能慢的弹奏允许我们流畅的完成音乐，让我们明白好的音乐，慢下来也是美妙的、值得享受的。如果你一直沉迷磕磕碰碰的练习之中，说明你还没从根本上学会理解、聆听、享受音乐。节奏甚至比音准重要：懂音乐的人，不为偶尔的错音而中断，注重于完成整体的演绎，这是钢琴演奏应该具备的素养。

2、大脑能接受到手指技巧上、音乐处理上更丰富的细节信息，对手指和声音的控制力会更强。你的一切弹奏行为是由大脑控制的，练琴的本质是练脑，只有大脑清楚你要弹什么，怎么弹，你才可能弹好。任何没有经过脑力活动的肌肉记忆弹琴，都不是有效的练琴。你快起来的时候，下一个音是什么有时候经常来不及反应，好不容易弹对了，又要急著准备下一个音，大脑根本没空接受和理解信息。因此慢下来，在每个音符被拉长的空隙间，大脑可以接受到手指的触键感，音乐的细节，手指活动的距离，键位之间的关系等等，这些都帮助你在熟练以后更好的完成加速训练。

3、保证准确弹奏的过程是可以被复制的。有没有这样的感觉：每一遍错的断开的位置都不一样；有时候一个怎么都弹不好的困难乐句「一不小心」弹对了，还特别开心；完整弹个十遍最多只有三遍不中断的。这些「弹对」的过程无法被复制，每次能不能准确弹完全靠侥幸，这种就不是真正意义上的完成作业。而慢练允许你可以复制每一次准确的弹奏，在准确的基础上逐渐加速。

5. 一给自己录音/录视频/上台/上课的时候，就容易出错，明明在家已经弹的挺好的，这是为什么？

当你（潜意识里）觉得一项事物足够满足目前的需求时，你就无法在这项事物上取得进步了。

在我们自己练习的时候，会养成一种惯性，一首差不多已经熟练的曲子，我们通常会习惯性地无视掉偶尔出现的错误，反正一错我们能马上接下去，所以开始逐渐地对产生细微中断的地方无法自察。

这种中断一旦放在「完全不允许中断」的场合下，就会显得特别突出，你也会特别紧张。

而对于那些平时没有上台机会，也不给自己录音录视频，只是在家自己练琴自娱自乐的人，会出现一种他们不自知但很可怕的情况：就是他们几乎没能力完整地演绎任何一首曲目，任何一首手上现成的曲目都是带有瑕疵的。

究其原因，所有的中断情况，还是因为自己练习的时候没有达到120%的掌握（细节-整体），在不能中断的场合就没办法展现出100%。

要检验自己是否处于中断不自知的情况，或者要解决自己会中断的情况，请长期保持有第三方视角（摄像机等）存在的情况下进行练习。这样不仅可以很好地通过习惯这个状态来克服紧张感，有一个非常大的奇效是：你对每一次细微错误的感知力变强了。

你会感觉以前不曾注意到的，那些会直接重弹一下并顺下去的错误，开始变得无法被忍受，变得急需被好好地纠正，这就是第三方视角存在时的意义，也是「不允许出错的场合」能给我们带来的良性影响。

△ 一个提醒

每一次重复的练习，都是为了解决上一遍的问题。如果你的重复中都没有解决一些问题，那么没有一遍重复是无辜的。

题主可能对弹一遍不出错这个要求低估了，以为细节都练好了，连起来，弹一遍，不出错，应该是理所当然的，为什么我不行？

但是事实上除非一首曲子经过了达到了「细节都练好」之后，估计还要花至少5倍于细节都练好了的时间，再加上录音复盘，模拟演出，训练心态和耐力控制，抠易错的地方，反反复复之后，真实上台之后，才有「大概50%以下的概率完全不出错」，概率取决于你的水平高于这首曲子的难度多少。

拿答主本人做过录音级别的无损录音的经验做例子。录制成功的标准是：

1. 音必须正确弹对，至少怎么细听不能有错音；2. 休止符，乐句和声部正确做出；3. 适当做出谱面上和自己的强弱，不允许出现莫名的教明显的不均匀的强弱音（经常由于滑键卡键引起）。4. 速度达到或者接近标速。

5. 期间如果出现失误，可以通过软体在大休止时进行裁剪拼接，也就是一般而言，无论多长的曲子，连续做到40秒-2分钟达到这四个要求就可以了。

如此要求不高吧？音全对，还不要求一遍就拿下来？

实践结果：个人水平是可以原速弹少量斯克里亚宾练习曲，肖练1/11/24，贝多芬109/111水平的（有兴趣可以搜下这种弹出来是什么水平），在适当的录制时间成本下，录制成功最难的曲目是贝奏「告别」（约为业余12级难度）。此难度下的曲子，录制时间比超过了100：1（也就是这首曲子全长15分钟左右，实际是录了超过1500分钟的素材，最后才拼接出满意的结果）即使是录制业余9级左右的曲目（比如肖邦圆舞曲34/1），时间比也在30：1，7级左右的（有些海顿的奏鸣曲片段），10：1。（当然有些是给学生录，本身我自己也没达到这首曲子弹到非常细化的程度）

我相信题主应该是没达到我这样的硬技术水平，而又在纠结业余10级以上难度的完成度，有什么可以纠结的呢？一首曲子，没有超过他3级以上的水平，加上台下经历过至少500个小时的打磨，上台翻车就是大概率事件，而作为听众，也不应该去过多纠结一般演奏者错了多少音，而应该更注重整体艺术感。

这也就是很多大师忌讳现场演出简单或者大众化的曲子的原因——简单的曲子弹错了一个音的概率不低，但是一旦被听出来，对他的名声影响太大。

根据你的提问，我认为你现在没有本事考虑情感，从简单的开始练，技术我在这里就不强调了，强调技术很没意思，错音其实不是大问题，最重要的是，你得会弹琴，而不是敲键盘，弹琴得带脑子。当然，如果你只是上台忽悠业余人士，我觉得克罗埃西亚就可以了。

如果是真的想好好学，建议还是别看知乎了，多看看大师指挥的排练视频，把耳朵练好，接下来的事情其实你自己的耳朵会去纠正，你耳朵不会让你连一句话都弹不出来。这些先做好，然后再考虑情感什么，情感这种东西，人人都挂在嘴边，其实都像是摆设一样，那么就是乱来情感。

嗯，这题我想我知道一些，明明练熟了但是在全曲弹奏的时候总是会出错，有可能每次错的位置是相同的，有可能是不同的，然后就会越来越严重，还没开始弹就担心这次会不会出错，这其实是一种恶性循环

那该怎么做呢，首先在谱子上标志出自己容易错的地方，从慢练开始（还可以再极端一点，闭上眼睛）感受这组音之间的距离，手指的感受，好一点后一点点加速至原来的速度

然后开始练连接，从容易错的地方前一小节开始练，注意肩膀手臂不能紧张

觉得可以了，开始尝试全曲练习，在容易错的位置前一定要注意放松，放平心态自然地过渡

信念的力量：在你决心要改变这种状况时，你要坚信你一定能改变，相信自己的练习一定会得到回报，量变必然引起质变，今天没好那明天一定会好，千万不要沉溺于我永远都练不好的漩涡之中

希望能帮助到题主

这些乐曲有一定的难度，你无法把它很好地完成下来就是因为你对曲子的理解和技术技巧无法达到应有的水平。作为对比，如果你弹其他一些简单的曲子就可以把它很好地完成，因此这个原因是显而易见的。

最简单的解决办法就是找个有演奏能力的老师进行指导，指出你演奏时存在的问题，对症下药。

你也可以自己对比网上的音频找出问题所在，在自己容易出问题的地方仔细探索练习方法，过程就会复杂一些了。

推荐阅读：
相关文章