photo source: http://www.wikidancesport.com/wiki/1099/fred-astaire

跳舞时，老师们经常说，「要借力使力才不费力」、「不要让动力断掉，不然你又要重新发动，这样就多用力了，而且能量张力会中断」、「不要用蛮力，去找细微的力气做动作，不然你会累死」。对于业余素人的我们，就算是蛮力用尽，还能硬撑完一个半小时的课，然后隔天铁腿停工就算了。但对于专业舞者来说，一天上课排练4-6小时，加上实际演出2-3小时，还得连续这样工作好几天，确实非常需要找到轻松有效率、聪明使用身体、有效保留体力的方式。

对于观众来说，欣赏杰出舞者演出赏心悦目且回味无穷之处，完成高难度技巧或高强度演出倒是其次，而在于他们仿若不费吹灰之力浑然天成地舞蹈著，神态自若、自信、稳定、优雅。

[舞王Fred Astaire是我认为跳舞最轻松、浑然天成的舞者之一了]

photo source: http://www.wikidancesport.com/wiki/1099/fred-astaire

即使是编舞设计刻意要展现用力挣扎的样子，观众也能够区分那是纯粹的表演性，而非舞者真的把自己在台上搞得精疲力竭。

[当然，永远的经典范例就是Misha的吉赛儿，如此effortless又表现出事实上是要被「跳死」的Albrecht]



我算是身体比较紧的那种，确实很容易看起来（可能实际也是）好像过分用力动作而显得僵硬。所以怎么使用「巧力」来跳舞，展现轻松的感觉，一直是门功课。

Dance Magazine访问了New York City Ballet首席舞者Anthony Huxley、Trisha Brown Dance Company的排练指导Laurel Jenkins和编舞家/舞者Jodi Melnick，整理出如何让动作看起来轻松不费力的方法。这篇文章给了我一些体会练习的方向，在此就一并摘要并搭配一些个人经验体会来与大家分享。


如何知道舞者的动作是轻松不费力的？当一位舞者的每个动作都显得有机自然，我们通常就可以知道他/她的动作是巧妙有效率的。但是要做出这样轻松不费力的效果，却不易捉模掌握。

对于在舞蹈专业生涯刚起步的舞者而言，多年来在训练中投注大量努力和锻炼的决心，不断鞭策、全力以赴。而现在一下子要将练舞的重点改成「简单轻松跳」，并不容易。如果要精通轻松省力的动作方式，需要用新的观点和聪明的方法来动作。

Dance Magazine整理出四大招。

方法一：善用动作转换（Use your transition）

New York City Ballet首席舞者Anthony Huxley分享他在观看NYCB前首席Peter Boal示范组合时的AHA领悟：Peter Boal在每个步伐之间有效转换重心和动力，藉著承接前个动作的动力，事半功倍完成下个动作。

Huxley说，「把跟跳舞无关的东西都拿掉，例如避免在某个固定的姿势上做无谓的停留。让动作的转换尽可能简单、干净、迅速。」除非是编舞家要求舞者静止或刻意表现某个平衡的姿势，否则不需浪费时间停著。

动作转换之间不仅有其力学原理的效用，更是看出舞者功力高下的照妖镜。我忘了是谁说的，「动作是舞蹈，动作之间是艺术。」这大概也是前辈舞者让Huxley效法学习的部分。

方法二：放松脖子，眼观八方（Look around）

舞者在练习时习惯看镜子，常常不自觉地只朝正前面看。殊不知，眼神的运用是能让舞者在舞台上看起来轻松自在的关键。放松脖子，让头可以自由转动，让眼睛真的能看到不同方位。至于要看到哪里去，取决于美感的要求。

这真的不容易，而且需要有意识地在练习时就养成习惯。针对像是芭蕾或有技巧系统规范的练习，在熟悉基本技巧与身体使用后，是可以慢慢练习调整epaulment，找出气质神韵，并透过视线和上半身角度的运用，加强整体身体的调控（如更轻松的平衡、某些角度的延伸程度和sustaintion的能力）。

在即兴或当代舞蹈中，每个人的功力便在脖子和头皮的状态中毫不遁形。我看过太多自己的呆样，很努力尝试做出身体移动变化中的弹性和流动感，可是就硬著一颗头，眼睛木木然看著某处地板，把身体线条给切断了......

所以，当舞者真能自然眼观八方，自在控制脖子肌肉，不只是舞者成熟度的展现，也更能透过多样肢体部位来说故事，吸引观众的目光。

方法三：再做一次（Do it again）

Huxley回顾他在菜鸟时代的经验：「我第一次整排的时候，总是全力以赴，但这让身体和心理都感精疲力竭，一点也不好玩，感觉好像没办法再继续下去。」所以他建议，在排练时好好整理所有的动作，决定哪些时候加速、火力全开，哪些时候像蜻蜓滑水轻松带过。

舞者兼编舞家Jodi Melnick则喜欢重复动作来帮助自己了解动作的原理。在每ㄧ次的重复中，她就重新学习、重新体验这个脚步，然后「用身体把它记起来并带著感觉跟它连结。」

方法四：够了就是够了（Enough is enough）

每个动作都有「sweet spots」，就像球拍上的那个最有效击球点，会用到哪些肌肉、用多少力、又需要放松掉什么，是有个最适平衡状态的。Melnick提醒，练习中别忘停下来自问，到底用了多少力气。Melnik说，「一种张力和观照的平衡」可以让舞者可省很多力。

Trisha Brown Dance Company的排练指导Laurel Jenkins解释，「松的概念并不是垮掉，那是一种平衡。做得少一点，舞者反而可以像磁铁一样吸引观众的焦点，而不用用尽所能来掳获注意力。有点像是猫一样，牠在攻击前那种蓄势待发的静止，一种警觉警醒著的姿态，准备著重要的行动。」

这是具体可以经常体会到的提醒。例如在piroutte的练习中，老师常提醒，动力不用太猛，免得花另外的力气「煞车」，自己要知道转一圈、两圈、三圈要花多少力气。例如在小跳练习时，因为速度快，重点是用刚刚好的力气让脚绷直离地、膝盖伸直、又落在音乐上就好，不用刻意跳高。而在大跳组合里，老师会强调glissade之类的连接步只需轻巧而把力气用在assemble或其他大跳动作跳高；用不著在连接步大跳起来，每个动作都一样用力做，还会让组合失去节奏感、没有对比。

基本上，当自己很清楚自己需要做的动作是什么，就该去琢磨最适切的力量，让自己可以完成动作，并且轻松稳固地衔接到下个动作。同时，所谓「最适切的力量」往往跟当下身体有无在对的位置（如正确的身体alignment）和对的时间点上一起整合协调起来有关。重心不对起跳自然吃力，alignment不对，起动和结束或者是要平衡，可能都得再多花力气。

回顾这四大招，其实Do it again最重要。透过有觉察的练习，也才能够感受体会出动作转换间的动力衔接和时间性的串连，然后也才会有余裕能够妥善观照自己身体也外的地方。

最后自己补充两点。

第一，让自己的身体有弹性有空隙非常重要。日常休息时间必须要能够放松，平衡使用耗损状况不一的肌肉，「梳理」一下可能纠结的肌肉纤维甚至微发炎的部分，让血液回流关节肌肉肌腱，加速组织液的新陈代谢。当肌肉关节的灵活度和柔韧性提高时，动作自然能够较为经济轻松。

身体紧，表示肌肉处于相对收缩的状态，显示身体肌群的失衡。这种状况下，组织间的间隙就变得较窄，组织液的流动因此受到阻碍，肌肉组织神经传输运作协调效率就会较差，导致不正常的运作。

我每每意识到身体紧、动作效率未如预期时，难免产生沮丧的心情，连带影响身体的外型和状态，不只动作起来真的吃力，看起来也是紧绷。所以练习时适度调整心情也非常重要，因为心理负荷确实会影响身体协调的调控。越是求好心切或是精神紧张，越会不自觉过度用力、变得僵硬。

所以觉察不只在身体肌肉重心alignment，也在于当下的情绪心情状态，有一部分的不费力，可以借由轻松自信的心情来带动。

不过，要不费力之前，还是得花上不少力气。用力、蛮力、肌力，然后没力！对比之下才会知道，原来借力使力不费力的轻松，该是如此的。


参考资料：
http://www.dancemagazine.com/how-to-actually-make-your-movement-look-effortless-2381883297.html