如何去分析摄影摄像？

有什么办法可以提升自己审美，一张照片应该怎么去分析他怎么拍的，一个短片要怎么去拉片，真想有个人指引下方向

你说的这个事比较复杂。

因为图片摄影跟电影摄影不是一回事。

电影摄影师和电视摄像师傅的工作也相去甚远甚远。

但是这个问题中是有一些共通性的，也就是这个共通的部分就是影像造型的问题。

首先什么是影像造型？我们找一些他的属性。

首先毫无疑问，影像造型是二维的平面造型。那么在这一点上，它势必带有一定量的绘画艺术的特质。

其次，影像造型是有作者与实体的。那么它必然有它的手艺要求与技术指标的要求，而后这个「要求」又会转化回一种创作手段。

那么这两点事实上构成了我们评价分析影像造型的两个方向：技术手段，与平面艺术造型。

首先从技术手段来说，无论是电影摄影师还是图片摄影师，大家都有著一套技术流程与指标。比如曝光准确，焦点清晰，噪点少，景深合适等等。那么在分析作品的时候，我们恰恰要使用的就是这些技术手段。因为技术手段就像是科学的量纲。我们描述一个物体的长度宽度，我们使用「米」这个单位，它有7米长15米宽。而我们描述一张照片的曝光，就要用到进光量与反差这些概念。比如整体的低调影像，曝光点以上只有一档，而画面大部分区域落在了下三下四档左右。

在这种个层面上，电影摄影就是四大基本手段：反差色彩构图运动。

那么几乎每一个电影镜头，我们都是要依靠这四个基本手段去创作。

那么电影摄影师们，通过这四个手段最终创造出了什么东西呢？一个动态的二维平面影像。

那么在造型和体验上，我们就要去考虑这个造型的根源在什么地方？有一种分析思路是从绘画中找灵感与源泉。

比如说在学习素描的时候，我们都要学黑白灰。这个事实上就是影像反差。在黑白摄影中，我们也同样需要用光线去塑造反差，确立亮面，暗面，过度的位置等等。

同样在绘画的色彩中，也有著色彩创作的观念。比如说对比色，互补色，高级灰等等概念。尽管一直以来，传统的色彩观念都认为色彩只是反差造型的附庸。而印象派和印象主义的观点则认为色彩可以成为画面的主导。

这个分歧呢，事实上可以认为是「彩色电影」对「彩色黑白电影」的一次宣战。

如果各位看过玛丽莲梦露的一些电影，比如《七年之痒》。以及同时期的许多彩色电影。事实上这些彩色电影仅仅是彩色而已，他们的造型手段仍然是反差与光影。而直到七十年代新好莱坞电影运动之后，来自欧洲的摄影师们才将主观性的色彩带到了好莱坞电影中。比如斯托拉罗在欧洲拍的《同流著》《巴黎最后的探戈》以及他来到好莱坞之后拍摄的《现代启示录》。

在这次宣战中，摄影师们开始强调色彩。

这些创作的艺术理念又是如何被呈现出来的呢？就是依托摄影师的技术手段比如镜头前的滤镜，曝光方式，布光手法，后期洗印技术、调色、配光等工艺。

而绘画上的另一个方向则是线条与空间感。比如透视关系，线条关系，形变等等。

而在摄影中，这些关系就形成了构图。

那么摄影师的构图，事实上就是通过改变焦距（画面空间感），被摄距离（景别）来实现。

很多人最开始拍照片的时候，会习惯性的用变焦来改变物体的占比。比如离得近的人就用广角来拍，而远的人就用长焦来拍。

但是很快，入了门的摄影师就会进入到上蹿下跳拍摄的状态。因为此时呢，他会根据主题先选择焦段。然后在这个焦段下去选择摄影机位拍摄。焦段来决定画面的空间感，而被摄角度与被摄距离来决定构图与景别。

而运动这个事，事实上是摄影最令人痴迷的地方。

每一个第一次拿到单反的人，大家都会去拍光绘或者高速的车流。以及买个nd拍流水、瀑布的慢门。而也会有一部分人，他们会研究，如何拍到水滴在空中凝结的瞬间。那么在平面摄影中，高速快门和慢门，确实在很大程度上会塑造出画面中的运动感。但是这个感觉并不是运动本身的含义。

运动事实上是摄影机在拍摄中的机械运动，其实就是推拉摇移跟升降。

而重点在于，摄影机的运动是在一段时间内做了构图与拍摄角度的连续改变。那么人物与空间之间的关系也在发生这连续的改变，而在这种运动中，事实上是影像情绪的持续输出。这一点上在胡波的《大象席地而坐》，毕赣的片子，塔可夫斯基，贝拉塔尔。展现的比较极致。

运动的另一个方向是场面调度，也就是好莱坞爱玩的长镜头挑战。传统的有希区柯克的《绳索》，2002年完全一镜到底拍摄的《俄罗斯方舟》，2015年的《鸟人》以及今年的《1917》。这一类运动更偏重玩法和叙事性，有兴趣可以多看一些相关的片子。