和一些水彩画又有什么不同？经常觉得国画很好看，

」

很顺眼，但也不知道到底是哪里美？

有的回答里那种水墨或者水彩感觉很重的，其实并不一定是「中国味儿」，水墨或者说水介质，是中国绘画的一个面貌，但是并不是所有的画都看上去有那么重的水的痕迹。而且中国画的那种「水」其实是以墨为中心，水是为了表现墨。所谓五笔七墨，笔墨是角儿，水只是陪跑。

看画，之所以看不懂，一个很重要的原因是，你不了解这幅画的渊源，你不知道这个风格在他的这种风格的历史中是否有价值。当我们了解这些风格史的变化之后，你再看到一幅绘画，你可以很清晰的表达你自己的好恶。

韩熙载的海天盛筵

目前很多美术史的书都是材料的堆积，把历史上的画家按照年代排开，等你看到元代可能已经忘却了唐代，看到清代，可能又不记得元代，所以整个看完后，你大概只有个模糊的印象，有个人叫马远，有个人叫黄公望或者董其昌，他们之间的变化联系，依然是模糊的。下面我就用极其干货的方式，先把这些变化的脉络总结出来。

还应当注意的是，为了方便大家理解，我可能会打一些不太恰当的比喻，领会精神就好，不必较真。

2 技巧的价值——从幼稚到成熟

其实绘画的发展，跟一个小朋友开始学习绘画的过程基本是一样的，一开始我们只是喜欢乱涂乱画，在墙上画一些小朋友和小房子，只是些幼稚的线条，后来报了学习班，老师教给你一套技法，这时候你就越画越「写实」，懂得如何用技术手段去欺骗观众的眼睛，再到后来你发现只有技术不行，班上很多小朋友都和你画的一样好，这时候就得拼「意境」，再到后来你上了美术学院，发现能考上来的同学画画都挺有「意境」，又发现儿童那种涂鸦才是绘画的原始动力，从这天开始你就开始玩「个性」啦！有人裸体沾了颜料在纸上打滚，有人拿了针筒往纸上射墨水…其实这就是美术史发展过程。只不过我们要搞清楚历史上哪个年代是兴趣班，哪个年代是高考班。再强调一下，这些说法只是不严谨的比喻，帮助大家理解。

3 中国历史上，人物画成熟的最早，在唐代成熟

中国的绘画大体可以分为：人物、山水、花鸟，这三个绘画的成熟阶段是不同的，我们看小朋友画画，一般来说最开始喜欢画的都是爸爸妈妈和我，也就是按照相关性来说，一开始我们关注的是人，因为人与我们产生最直接的情感联系，爸爸打我了，妈妈奶我了，至于什么「枯木寒林」「春山如笑」我还不关心。所以最早成熟起来的绘画是人物！我们可以看一下战国时代的人物绘画：

长沙子弹库战国帛画

咱们来看一下上面这个人画的，已经很不错了哦~衣服柔软的质感，人的头发五官神态都已经很有像样了，腰里还插著佩剑。人后面那个仙鹤画的也还不错，但是左下角那条鱼就有点应付了，这条鱼基本上是个儿童简笔画水平，（鱼在古代代表北方，这一点在商代青铜器上可以证明，那时候还没有「玄武」这种东西，咱们后面就不做图像分析了，不然三天三夜也讲不完），再看一个汉代的墓室壁画：

汉儒尬聊图

是不是已经感觉到动态十分生动了？好像是两个熟人在路上碰到后展开了尬聊，后面还有个人捂著胸口惺惺作态。可见西汉时期，我国的人物画已经很有点牛逼了。

那么中国的人物画什么时候真正成熟了呢？那还得是~~唐代！！

中间的三国两晋南北朝咱们就先略过，虽说这一时期有很多知名的画家，例如画龙点睛的张僧繇，还有顾恺之，但是没有可以确信的作品流传下来，不过可以确认，这一阶段受到了不少外来的影响，在如何表现体积感这方面有了很大的进步。

但是唐代的人物画璨若星河，名家辈出，出现了后人也无法达到的高度。

宫女开黑图

虢国夫人

上面是周昉所画下棋的宫女（下的棋叫双陆棋），下面是张萱画的《虢（guo）国夫人游春图》，我们看到，从技术上讲，已经非常的完善高超了，特别是下面这个八十七神仙卷，更是牛逼的不得了

八十七神仙卷临摹本

网上没找到宋代临摹的原版，我的移动硬碟又没在手边，网上搜到的多是后人又临摹的宋代的临摹的临摹版，但是你就记住原版肯定更牛逼就可以了。

再往后~宋代的人物画依然是不错的，举两个例子，李公麟和赵佶，很多人说赵佶也就是宋徽宗是个大画家，这个当然没错，但是呢~也不要以为所有他署名的画都是他亲自画的，有很多他只是作为「出品人」署个名。

浮生受精后面的金刚力士

上图中注意！左下角和尚的这个手势不是千年杀的意思

领导弹琴图

但是~从宋元代开始，人物画渐渐的淡出了主要题材，因为山水画成为了国画中最高级的题材!

从南宋开始也出现了一些写意人物，比如非常著名的这个李白。

李白行吟图

那么为什么后来人们不喜欢画人物了呢？这是一个很复杂的问题，和宋代理学思想的出现等等等等等等一系列问题有关，专门写篇论文都说不清楚，大家记住这个结论就好了。人物画后期的昙花一现，要一直等到明末清初的时候，两个重要的画家，一个叫曾鲸，一个叫陈洪绶。曾鲸擅长搞人物正面肖像，他的传派后来比较程式化，就是咱们经常见的那种一个正面的官老爷，有时候还有他老婆们。这种画皇上也需要，咱们常见的康熙、乾隆什么的都属于这种。陈洪绶就比较玩个性了，专门把人物画的很丑。

到了民国时期，人物画融入了一些西方技巧，徐悲鸿等人的基本属于这一类。

徐渭青藤

徐渭这个蛇精病咱们后面还会提到

陈洪绶老莲

总结一下：中国的人物画，成熟并且辉煌于唐代，宋元开始衰落，明末清初一度有复兴的迹象但是其实并没有真的复兴。如果你看到有人画的十分工细，线条细密流畅，你就往唐代扯，如果你看到有人故意把人画的有点变形甚至很丑，你就往陈洪绶身上扯，画的简单又丑，你就往宋代梁楷身上扯。

4 山水画成熟于宋代，元代开始写意，明清开始玩个性

南北朝一直到唐代的时候，山水画的技法还没有成熟，我们来看看相传为顾恺之所画的《洛神赋》中的山水。

你看这个树和山，基本上就是衬托一下人物，没有太多可看的。包括唐代画山水比较牛叉的李思训等，都还没有出现后来山水画那种悠远的气质。

唐明皇去四川

这是唐代绘制唐明皇因为安史之乱逃窜到四川的一张画，基本上山就像是一场话剧的布景，这些青山就像一个戏台，为了把人物车马错落的摆放在上面。

真正牛逼爆炸飞上天的山水画，要到五代和北宋才出现。看下面三张图：

五代董源龙宿民郊图

相传为范宽所画

确定为范宽所画

北宋的山水画有几个特点。

首先是全景式的构图，常常三远俱全（评论某个具体画的时候别用这个词儿，因为三远这个词有点复杂这里就不解释了）。其次是所绘真山真水，是真的「师造化」，也就是说重视一定程度上的尊重自然风貌，上面这三幅画很能说明问题，董源是南方人，所以他画的山，缓和葱茏，江水浩浩汤汤，全是江南景色。范宽作为一个陕西人，生活在目前的西安北边的铜川，那里的山巨石耸峙，跟他画的《溪山行旅图》中是一模一样的。而且北方的画家，常常画秋风萧索的枯木寒林，体现一种沧桑的气质。

同时还应当注意，北宋的师造化，还表现在描绘真实的市民生活上，《清明上河图》大家都是知道的，上面的每个人都有其真实存在的理由，吃包子还是赶大车，都安排的实实在在。

江行初雪图

上面是我特别喜欢的《江行初雪图》，里面的渔民是真的在打渔啊，站在水里冻得哆哆嗦嗦的，渔网、围子、小舟都是真实的，后面元明清的人也会画「渔父图」，但是那个渔父都是文人钓著玩的，是有钱人闲著没事干出来耍，坐在船上巴适的很，如下图：

坐船看鱼好巴适

到了南宋的时候，因为北方已经丢了，山河已经残破，所以诸如马远、夏圭开始画一些小构图的「残景」，山之一崖、水之一隅。大家可以拿来与上面范宽的画再比较一下。

马远

是不是跟范宽那种宇宙造化沧桑萧索的不一样了？值得注意是，这一阶段的绘画对日本绘画的影响非常大，我们印象中的日本那种留白特别多，特别简括的山水画，基本就是受这个时期的影响，感兴趣的可以去查一下南宋末年一个叫牧溪的画家的画，日本人对他的评价特别高。

山水画还有个重要的支派，叫做金碧山水，前面提到的明皇幸蜀图这种就是，特点是「金碧辉煌」，本文的封面《千里江山图》，就是北宋时期的金碧山水的高峰。再挂个局部给大家看看，原作十几米是个图卷。

千里江山图局部

图卷这种形式，就是一边展开一边收拢，始终保持两臂之间的距离。所谓移步换景，散点透视是也。这种画的比较工细辉煌的绘画在元代被广大文人所反思，觉得宋代就是玩这些形式主义玩的太过火了，所以国家灭亡了。而且宋代一直存在的皇家画院，也在元代被取消。所以民间的文人成了绘画创作的主体。开始追求「逸笔草草」，山水画的写意时代到来了。

倪瓒倪云林

黄公望的《富春山居图》太常见了就不放上来了，上面放的是古代著名洁癖人士倪瓒的画，我们拿他和马远还有范宽相比，很容易能看出区别。倪瓒洁癖很严重，因为嫌弃自己拉屎脏，就专门用香木盖了个小楼，叫人垫上洁白的鹅毛，从二楼往一楼拉，屎掉下来被飞舞的鹅毛覆盖…

到了明清之际，除了唐伯虎等人上溯宋代风格，特别是到了明末，董其昌开始一统江湖。董其昌提出了一个「南北宗论」，认为北方那套不风雅，南派这种才赛高；进一步把逸笔草草的写意文人画提到意识形态的高度，认为黄公望和倪瓒这样的，就是艺术的最高境界，他和后面的「四王」组合，极力提倡写意、膜古，创作了大量的「仿北苑」「仿云林」「仿大痴」，北苑就是董源（前面提到五代时期那个），大痴就是黄公望，云林就是倪瓒，基本上这些都是江南一带的人物。

清代四王受到皇家提倡，成为正统画派，这些的画家说话都云山雾绕，当不得真，说仿某某不是真的仿某某，说师造化不是真的师造化。你问他们画的是哪里的哪座山多半是答不上来的，因为人家画的是「胸中丘壑」。

清代最重要的画家不是正统派，也不是扬州八怪，是石涛、龚贤、恽寿平这样的。有一年我去扬州八怪纪念馆玩，看到郑燮的介绍里写著他特别崇拜石涛，高翔的介绍里写他每年给石涛扫墓「经年不辍」，我问导游，石涛既然这么牛逼，哪里能看石涛的画？导游说不知道啊，石涛是谁？

石涛！苦瓜和尚！石涛可以说是清代玩个性中的大玩家，基本上不采用任何程式化的前人画法，我用我法，自成一派，你看下面这个山，是不是麻麻赖赖，一看就想盘一下。

他本来也是个明代的宗室，姓朱的，是个小王爷，后来清兵入关后只好去当和尚保命，有趣的是丫晚年还俗了，还俗以后又去当了道士！石涛主张笔墨当随时代，不落前人窠臼；主张搜尽奇峰打草稿的「师造化」的精神。石涛有多牛逼呢？就这么说吧，傅雷家书里评价张大千，说张大千一生最高的造诣就是仿制石涛的假画…

石涛上人

自此，我们总结一下，山水画成熟于北宋时期，此后一直是中国画坛的最重要的创作题材，这个时期相当于中国山水画的古典主义时期；元代开始，写意山水，文人画开始成为主流，明代正式确立为正统地位，一直延续至今。

5 花鸟画成熟于五代、北宋，元代开始写意兴起，明清开始玩个性

花鸟画的发展过程，与山水画很像。晚唐到五代，花鸟画开始成为一种很成熟的绘画形式，非常的写实工细。达到了很高的水平。

徐熙野逸

大家可以看一下红色浆果上要融化的雪，特别牛逼

黄荃富贵

到了元代，开始出现表现文人节操的梅兰竹菊，写意花鸟和写意山水一样，开始和文人绘画一起登上主流，画花鸟的目的不再是描绘对象，变成了表现一种文人理想精神的象征。

这里面要提一下徐渭。明朝的徐渭是个真疯子，但是画的一手好画，后来他砍死了自己的妻子，很多欣赏他的人都给他求情，要求免他一死。《明朝那些事》里好像有讲徐渭，但是有点过于夸大了。大家可以看一下，下面的这张画，基本上就是我们印象中的「国画」那种概念了。

徐渭的写意已经非常极致

至此，写意花鸟画基本上已经形成了他的基本面貌，当代的很多花鸟画家，也无非还是这种创作风格。

青藤发病

下面再说两个炙手可热，路人皆知的民工漫：八大山人和齐白石。

八大山人我个人觉得和徐渭很像，都是真的疯癫。注意八大山人是一个人，不是八个人。原名朱耷，和石涛一样，原来是明朝的宗室，明亡以后一度有点精神失常。他的画体现出一种很强烈的向内的「狠」劲儿，你只要看到有人画个鱼，画个鸟，翻著白眼，基本上就是学八大。

八大山人的典型白眼

孤禽图，这只鸟卖了好几千万

正经美院出来的，很少有在创作中直接模仿八大，学青藤（徐渭）的，因为你即使跟他们画的一样好也没有认识价值，他们已经像梵高一样，探究过人类理性的底线了，后人何苦再重复？倒是很多民间的假大师，说自己是历史上谁谁的真传人，这些说法毫无意义。

最后再来说说齐白石，齐白石的画，也有很多画家在学，但是不得要领。齐白石的画的这种质朴的感觉，是受了篆刻的影响的，他自认为自己艺术造诣里面：篆刻第一,诗词第二,书法第三,绘画第四。他其实也是清代后期这一批有金石之气的画家的代表，例如吴昌硕、赵之谦等等。

齐白石：童子之心，农夫之情

齐白石的虾米太有名，来求画的往往想要虾米，齐白石自己在门派上写上自己是个画家，还会画很多东西，不是个画虾米的！相反再看现在的一些不入流的画家动不动给自己弄个「鱼王」「虎王」啥的，高下立判。

6 一些辨别中国画的硬性指标

完全膜古没有前途，虎王鱼王都是骗人的，有一堆没听过的名头例如「全球美术家协会理事长」之类的都是骗子，形象上故意整的好像历史上某个画家似的都是骗子，各种协会请记住「中国美术家协会」是官方的。

最后提醒大家：真值钱的画家画画，也分为应付事和认真创作两种，十分钟画了个大牡丹或者大公鸡送给你，不是人家认真创作，他的画是十万一平尺，但是给你现画的这个未必值十万。只有那种正规机构买的，或者你跟他买他不想卖的，或者专门拿去参展的作品才是他的心头肉。

以上就是一篇快速入门的中国绘画史，举了一些比较有典型性的例子，中国画涉及形而上的东西是很多的，涉及历史背景环境的东西也是很多的，比如罢，清代理学思想受到批判，崇尚考据朴学，与清代金石之学的兴起是有关系的，金石对篆刻是很有影响的，齐白石作为生活在晚清民国时期的传统画家不可能不受影响。又譬如，历史上的中国画，是笔墨的艺术，文人墨客自幼习笔用墨，一生的饭碗、尊贵甚至全部自我价值的实现全赖此物，常说某某古人舔笔尖舔的舌头五黑，这种对笔墨的亲和力，当代人的笔墨可以与之相比吗？

夫一画者，时代文化之面貌也。

"太古无法，太朴不散；太朴一散，而法立矣。法于何立？立于一画。」

—石涛《苦瓜和尚画语录》

关于其他回答中内敛和求静，我想说一下，这些都是中国绘画众多审美取向中的一种，但是肯定不是全部，比如北宋的清明上河图，分明是闹市之中，不能说「静」吧。还有照盆孩儿、货郎图也都画的极其生动活泼。再有敦煌之飞天壁画，佛乐恢弘庄严，但是不能说是静。这些如果被排斥出国画，那实在太可惜了。

豪放、恢弘也都是中国画的面貌之一，不能简单的以一个词就概括。

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探寻中国绘画的美是一件挺不容易的事情，首先呢中国传统艺术包括诗文，绘画，戏剧，音乐，书法，建筑，等等这些艺术形式并不是单独存在的，往往是相互包含，相互影响的，概括的来说两种形式的美在中国艺术史上一直贯穿，一种是极尽华丽，错彩镂金，将装饰的美推到极致，另一种是追求一种平淡素净的美，有一句诗「清水出芙蓉，天然去雕饰」形容的便是这种美。这种形式的美大概是从魏晋时期发生的转变，追求的更多的是一种返璞归真的美，可以说从古至今中国画追求美的脚步一直没有停止，将诗的境界，人生的格调，哲学的思想，融入到绘画之中，来追求更高层次的美。这是内在的追求。

在画面上将虚实的关系处理，这里的虚实不单单是空间关系的虚实，而是追求画面之外的实，画面之上的虚，类似於戏剧，有的时候并不去布景，而是通过演员的歌唱，谈话，姿态，描绘出舞台之外的东西，弦外之音才是艺术家想要表达的实，画中之物反而为虚。踏花归去马蹄香，也是这个意思。

回到绘画的创作上，需要注意又有很多《古画品录》提到，气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，转移模写，至今也是国画创作的指导思想，其中气韵生动乃是国画之美的重中之重，什么是气韵呢，就是鼓动万物的「气」的节奏，韵律。绘画有气韵，就会给人一种音乐感，和谐，让人看著舒服，这也是历代画家的至高追求。

再说意境，这个就有很大的区别了，每个人所追求的各不相同并没有统一的标准，有的为满足生理需求，意在功利。有人追求人与人之间相互共存互相爱护的关系，意就在伦理。有人追求政治互制，意就在政治 。有人研究物理，求得真理，就有学术境界。有人追求返本归真，则有宗教境界。概而言之，为利，爱，权，真，神。艺术追求介于最后二者之间，真为实，神为虚，虚实相生，化虚为实，化实为虚，使心灵的真实化具体化，是实体变为象征化，则为艺术境界。

最后补充当然不仅仅是我说的这么多，研究艺术的道路，路漫漫兮其修远以。其中博大精深，确实不是一篇文章可以概述完整的。

说中国画，和书法，一定要放在中国古代，或者上古一点点文化主流观察。早古代文化，是以修身养性为主，黄老盛行。古人主张静以修身，这里说一下，静以修身，俭以养德，不是原出自诸葛亮，诸葛亮只是引用而已。再回说，静以修身，主要体现在黄老学说文献当中，可以鲜明感受到，古人求静之迫切，基本相当于现在人汲汲与功名富贵 ，为得修行身心与天地自然呼应。中国画，就是这样产生的，因此，欣赏中国画，就一条，是否能让人入静，凡是达到引人入静的，就是精品，无论像与不像。中国书画，是主张意境的艺术形式。中国古书 中工笔插图写实，是用于表达物件本质属性的作用，不主张光影，只用线，线就是界限的原由而已，无他。中国书画只是中国古典文化精神的载体之一 ，载体而已，中国古典文化才是巨峰宝藏之源泉，不赘述。

国画的「意」就是气韵。

国画的「美」表现为生动。

也就是讲究「气韵生动」。

觉得好看又说不上来，你可能是缺少知识储备了，从你发的几张图来看，是属于文人画的范畴，文人画讲究文人习性和情操了，美就美在这了，另外水彩画和国画差太大了，纸都不一样，水彩画是西画，不会讲究墨分五色，笔墨意境这些，就是两个不同的东西，喜欢就去了解一下吧。

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