作為電影編劇該不該干預鏡頭的處理？
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結論：編劇不應該干預電影製作中後續的流程，包括但不限於經常被問到的『表演』、『攝影』以及剪輯。
一句簡單的『不應該』好像就可以回答這個問題了。
真的是這樣嗎？
與其說鏡頭和表演不是編劇該干預的，不如說這個問題本身就是一個偽命題，劇本階段本來就不涉及到這兩個問題，也就無所謂干預不干預。
這個問題背後其實是對於劇本文本寫作的疑問。換言之，編劇在劇本中到底應該做什麼？
劇本其實是一個非常有趣的文本形式，它是電影故事的文字版本，作為電影視聽化敘事的初級形態，極少有機會直接面對普通觀眾，也因此形成了自己的規律。
我在編劇視頻系列「從零開始寫一個電影劇本」第二期中以《寄生蟲》第一場戲的劇本為例，聊了聊劇本文本語言的6大元素，可以回答編劇在劇本文本中應該做什麼以及怎麼做的問題。
從零開始寫一個電影劇本：第二期｜劇本文本語言的6大要素
2001室的庫布里克的視頻 · 42.7 萬播放劇本文本語言有自己的特點，從敘述方式的本質上來說，劇本是用文字營造視聽的感受，所以好的劇本雖然隻字未提鏡頭或攝影機，仍然讓人「感覺」有鏡頭感，有視角和景別的切換，有剪輯。這不是對畫面的干預，這是會寫劇本。
很多人喜歡分享劇本的」所寫即所見「（writing for the screen），鼓勵大家從成片反推劇本。
畫面反推劇本的做法以及劇本」所寫即所見「的基本原則我個人認為是有局限性甚至有一定的誤導性的。
解釋一下。
- 電影是在一步一步的「視聽化流程」中逐漸從文字變成聲音畫面的。
- 這個過程從劇本階段就已經開始了。
- 這是一個由無序到有序、「可能性」逐漸減少的過程，是一個熵減的過程。
在劇本階段編劇就已經開始使用「文字」進行「視聽敘事」了，而且這個時候對電影來說，選擇空間仍然是非常大的：也就是說，後期的「視聽化流程」尚未開始，場景、道具（美術）可以大膽調整，劇本階段對演員表演的描述僅供參考，鏡頭設計更是後面的事情。
導演在進入籌備期時，會重讀劇本，做一個所謂的」劇本分析「。ta會劃掉所有關於角色具體如何做某件事的描述（也就是演員表演），因為這是排練和實拍時才會去解決的問題（所謂的演員的business）。
劇本上留下的是兩個東西：角色做了什麼事情（what he does）以及「視覺單元」。角色做了什麼事情是一場戲的基礎，它包含了一個角色的意圖以及可能遭遇的阻礙，在此基礎上演員和導演找到一種恰當的表演內容（how he does it）。有了人物和他做的事情，也有了表演內容，一場戲才有了根基，在此基礎上，再去決定攝影機放在哪裡，用什麼鏡頭，鏡頭何時開始何時結束。
如果說電影最終呈現給我們的是在唯一的節奏和時間密度之下（最終由下一個視聽化階段-剪輯確定），一個特定視角下的世界，劇本階段就是這個世界的雛形，它不對後面的任何流程加以限制和干預。
這是劇本和後續流程的關係，無論是表演、攝影還是剪輯都是如此。
同時，編劇、導演、攝影以及剪輯作為電影視聽化流程的不同環節，他們本質上都是在做同一件事：提供一種視聽的敘事體驗，這才是編劇為銀幕而寫的本質（writing for the big screen）。
他們之間的區別在於，每個環節使用的」材料「或者」語言「不同，對於編劇來說，就是文字。
比如，一場戲的內容是角色急迫地找東西，在劇本階段，編劇可能為了表現角色的焦急使用「跑來跑去」這樣的說法，但最終拍攝出來可能角色只是「走來走去」。在電影中我們可以使用很多方法去營造焦急的感覺，比如手持的近景鏡頭，人物細微的肢體語言和表情，音樂的使用，剪輯的節奏，這些都是編劇在寫劇本時沒有的材料。
聲音和畫面在「說服力」方面遠勝於文字，所以小說中會出現「過剩」的描述性語言來營造氛圍。但劇本和小說又不同，在剛剛提到的那個案例中，四個字，「跑來跑去」就可以輕巧地表現一種畫面信息和準確的敘事信息。相反，如果採用「所寫即所見」的假設，由畫面反推劇本，反而會忽視這裡編劇其實非常巧妙的對劇本文本語言的使用。
首先，「干預」這個詞本身就帶有負面色彩，我認為給予善意的創意建議是可以的。
如果題主的意思是，編劇該不該在劇本中直接描述鏡頭的運用和設計的話。
我的觀點是：
編劇新手不建議寫；推銷版劇本（Selling Script）不建議寫。
導演自編自導可以寫；拍攝版劇本（Shooting Script）可以寫。
最重要的，業內大腕可以無視任何規則。
我們編劇課老師在一開學就會強調：編劇不要寫鏡頭的景別、機位和運動方式，也不要干涉演員的表演方式，也不要過多描寫跟劇情無關的美術道具陳設，不要加註釋，不要心理描寫，只描寫你想讓觀眾看到聽到的。然後我們同學也經常拿違反這些規則的著名電影的劇本跟老師反駁，老師的回答比較耍賴：「如果你能像XXX一樣成功，你也可以這麼寫。」
我看過的美國出版的編劇教材，也基本都建議不去寫鏡頭處理方式。這些都是基於一個合作原則：尊重其他工種，相信其他藝術創作者的能力，不冒犯別人，不越殂代皰。當然，和這個規則一套的還有很多，比如：演員不能現場隨便改劇本；只有剪輯工會的剪輯師才能操作電腦，導演連滑鼠都不能碰等等。當然，規則是規則，又不是法律，實際操作中會有很多餘地，也有很多特殊案例。
編劇新手不建議寫
因為你根本就不了解鏡頭怎麼用！甚至新手導演都不懂！不是知道「推拉搖椅跟，遠全中近特」就掌握了視聽語言了。如果你的審讀者是個經驗豐富的導演，你的鏡頭處理建議是很乾擾閱讀的，他甚至都能看笑出來。新手入行，能把故事說明白都很不容易，不要畫蛇添足。
推銷劇本（Selling Script）不建議寫
劇本的主要作用就是讓閱讀者清楚、明確、流暢地了解故事，而推銷劇本的目的是賣出去。
鏡頭處理的用詞需要一定的電影知識背景和畫面想像力，不要默認所有業內人都有這個基礎。你能確定你劇本的審讀者有這個背景嗎？
真實情況往往是，你的劇本被扔到某公司堆成山的劇本庫里，運氣好的被分配給剛來的實習生閱讀，而這個實習生可能以前只讀過小說，連「推」和「拉」，「跟」和「移」的區別都分不清。就算懂概念，他腦子裡的畫面和你腦子裡的畫面也可能相距甚遠。而他的任務只是最快速度地讀完你的劇本，寫一個情節概要（Coverage），你鏡頭設計得再完美都沒用。你要用最簡單的語言，描述清楚人物和事件，不要打亂敘事節奏。同理，你的製片人也可能不懂。
導演自編自導可以寫
作為導演，構思劇情的時候一般都是自帶鏡頭語言的，甚至鏡頭設計往往優先於文字語言想出來。這個時候，按照鏡頭寫可能會更幫助你梳理劇情。並且你只需要簡單的文字，自己能看懂就行。
還有一些不以講故事為主，而是以視覺意象為主的影片，它最主要的就是畫面和鏡頭，這種情況下完全可以按鏡頭寫。但是還是要記得，雖然你自己知道意思，但是這劇本還是至少能讓你的主創們能看懂。而且，這種情況還是小成本的，偏向作者電影的，而工業化的，參與人數多的也不建議這麼寫。
拍攝版劇本（Shooting Script）可以寫
拍攝版劇本其實是集體智慧的結晶，與推銷版相比可能改了幾十稿了。在編劇最初版本的劇本上，可能攝影指導說這裡我想用個甩鏡頭，加進去；美術組提了個好的道具或場景建議，加進去；剪輯師提了個好的轉場處理，也加進去；演員圍讀（Table Reading）的時候調整了台詞，也加進去；聲音指導也提了個環境音的想法，也加進去。導演在這版劇本上明確到鏡頭是怎麼運用是完全正常的，和故事板、氣氛圖、PreViz的功用一樣，因為需要統一大家的Vision，能讓所有工作人員看到這版劇本就知道未來的電影會是什麼樣的。由於這版劇本是大家統一意見的結果，所以不存在「冒犯」和「越殂代皰」。
現在你能在網上搜到的各種好萊塢劇本，基本都是拍攝版劇本（Shooting Script）。並且你看到的這最終一版的完成時間，甚至可能晚於影片定剪之後。
有人奇怪，影片都拍完了，還改劇本幹嘛？
通常來說就算是影片的導演剪輯版和最終發行版都有很大差異，但是你有沒有發現往往這些公開發表的劇本和最終的成片高度近似：劇情結構，鏡頭運動，轉場甚至剪輯點都能對上，偶爾能有幾場在影片里被刪掉的戲也無傷大雅。好萊塢雖然工作制度嚴謹，按計劃拍攝，但片場導演臨時改戲，演員即興說幾句詞，美術臨時換景，剪輯師後期切掉某場戲的開始和結束，或者調整場的順序也是經常發生的。所以這種與成片高度近似的劇本的發表有時候還有另外的考量。
說個最實際的，編劇們需要拿劇本評獎，編劇工會評委都會以此版本為參照。就算不評獎，這些劇本也是編劇們未來的工作敲門磚。那麼問題來了，如果你的劇本和最終的成片相差甚大，請問是導演的功勞還是編劇的功勞？如果電影中一些精彩的鏡頭構思在你的原劇本中沒有出現，那麼請問你這個編劇是不是水平不行？又或者，你的原劇本非常冗長無聊，但是剪輯師通過改變結構讓故事起死回生，那我是不是該僱傭那個剪輯師？
拍攝版劇本的公開發表版，往往在暗中展示：「看，你在電影里看到的所有精彩的台詞，巧妙的轉場和鏡頭處理，我在編劇階段就都想好了。」
所以，拍攝版劇本的主要目的已經不是「賣」劇本，而主要是面向參與拍攝的工作夥伴和專業人士，它還甚至是面向影迷和電影專業學生，以方便他們拿著片子和劇本對照著比較。它最初像小說那樣的可讀性已經改變了，它更像是整部電影的文字描述版。
補充一點：不要以為編劇就完全不能管鏡頭。雖然不建議使用那些明確的鏡頭術語，但是編劇其實可以用自己的語言技巧暗中「干預」鏡頭，形成電影畫面感。
- 比如：「她的睫毛微微顫了一下。」
你不需要寫「鏡頭到她的睫毛的極特寫」就可以表達一樣的意思。
2. 比如：「他沒有意識到身後有一個東西正緩緩逼近。」
你不需要寫「他背朝鏡頭，鏡頭緩緩推向他。」
3. 比如：「他睜開眼，但是眼前一片模糊。」
導演大概率會用一個虛焦的主觀鏡頭（POV）吧？
最後，藝術里沒有法律，只有規則，所有藝術規則的共性：
初學者需要學習並遵守規則，但是到高階可以無視和打破規則。
劇本課老師的意見是：不是一定要就別寫。什麼特寫啊遠景啊這種沒什麼必要。除非對故事有特殊幫助，比如一些特殊的機位運動（長鏡頭，360）
一些網上看的劇本都是shooting script，所以很多時候機位鏡頭安排都會寫出來。即使不是shooting script，很多時候第四五稿的劇本導演和dp都參與進來了，這些鏡頭調度也都會加進去。
綜上，一句話，隨緣。
編劇連自己劇本被各色人等改成什麼樣都干預不了
還來干預鏡頭處理？
題主對編劇是有什麼誤解嗎？
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其實，我有點理解題主的意思，應該是劇本中要不要寫一些鏡頭提示
比如這場戲一開始某個角色不露臉，到最後，鏡頭一拉開，哇，原來丫是誰誰誰
這些涉及到具體情節、橋段的內容，當然可以寫
相當於劇本中的舞台提示，跟其他的場景描述性話語類似
不過，只是用來作為參考，人家未必一定得用。
幾個菜啊喝成這樣。
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