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因為調性音樂在歷史上，不論是對人的影響還是其存在的時間，都是相對來說比較重大且源遠流長的。就像學習任何一門學科或技術一樣，都要從頭學起，比如學數學要先學加減法，語文要先認字，英語要先學習單詞、簡單句，甚至好一些的英語班還會學習音標，只有學好了這些簡單的、基礎的「細胞式」的知識，才能構築一個完整、良好的知識大廈。

作曲也是如此，調性音樂是人們最開始認識音樂、習得樂感的主要學習材料，而「浪漫主義」時期的音樂，則更是展現出了人類對情感抒發這種渴望的一個高峰。調性音樂跨越了從文藝復興、巴洛克、古典主義、浪漫主義這幾個人類歷史上音樂發展的重要時期，乃至20世紀至今的先鋒派、實驗派作曲家，在他們創作的過程中，雖然也進行很多的創新和突破，但這些突破也有許多是建立在前人「調性音樂」的基礎上所作出的創新。比如ligeti在他眾多作品中對於中古調式的研究、梅西安對於印度的節奏與調式的熱衷以及很多現代派作曲家對於調式音階的「再創造」等，如果沒有之前對調性音樂的深入學習，是不可能做出創新的。

所以，作曲從調性音樂學起，在現階段是必然的。因為至今還沒有哪個教授或音樂教育學家開發出了新的（比如從無調性開始學習作曲）的教學方法，而切，就現階段大眾可以普遍接受的音樂來看，「調性音樂」也是每個作曲家不能丟棄的「飯碗」。

理論上說，學習傳統作曲，應該從古典主義時期，甚至，從文藝復興時期開始學起，從聖詠、和聲寫作、復調寫作開始學起，這樣學習的才能足夠紮實，然後在學習古典主義時期的奏鳴曲等，但因為學習耗時過大等原因，模仿寫作從浪漫主義初期或中期開始，現在也是可行的。

謝邀，現代的學習嚴肅作曲者必須要先從調性音樂的寫法開始練習嗎？

雖然不是必須，但確是最方便容易的途徑。

畢竟調性音樂容易理解，經典範例眾多，經典教材也多。

非調性的音樂本質上和調性音樂其實是一樣的，只是理解上相對複雜一些，從非調性音樂入手過程要更曲折。

下面是巴托克小宇宙中簡單的作品，如果從作曲角度來解釋並不那麼容易。

對比巴赫近似的作品，就比較容易理解了。

一定要的。傳統和聲學是基於調性的，脫離它作曲學習無從談起。調性如同重力一般不可缺少，人的審美直覺是調性音樂，而無調性音樂在配樂和比賽里用得比較頻繁，前者是追求更豐富的表現力，後者也許單純是為了「炫耀」作曲者的功力。

無論是拉赫瑪尼諾夫、拉威爾、普羅科菲耶夫還是肖斯塔科維奇等20世紀作曲家，成名作都是基於調性進行創作的，它們「火」肯定首先是符合正常人類的審美品味的，你能說他們創作的不是嚴肅音樂嗎？他們都是嚴肅音樂的一把好手。即使是十二音體系的締造者——勛伯格，他在傳統調性音樂的教學上也是卓有成就的。

畢竟，調性是音樂之根本。

這一定是必須的！因為這是基礎啊基礎~沒有地基如何蓋樓呢？無論什麼作曲，都要把最基礎的最傳統的學好，那些偉大的作曲家，無論是什麼風格的，他們的傳統功底都非常厲害非常紮實！

不需要，雖然能有調性音樂的基礎自然是最好的。

你要想好自己未來的發展方向，如果是想走嚴肅作曲道路的話，你是不太需要寫調性音樂的，甚至都不太需要寫悅耳音樂，這兩年極簡主義在學院里的地位跌落的很快。所以想要在國際的比賽中獲獎，在嚴肅音樂界獲得聲望，那麼平時的寫作和練習的重心還是要放在掌握現代和先鋒的作曲技術上。調性音樂的寫作學有餘力的時候練一練就好，但是沒有必要說是一定要從調性音樂開始練起。

當然，如果想給自己留個後路，比如以後混的不行了，就去當個電影作曲家之類的，那確實得練一練調性音樂寫作，畢竟普通聽眾買賬。

樂理，視唱，練耳，和聲，復調，曲式配器。

我覺得這個是寬泛的吧。個人感受也不知道應該傳統調性音樂學多久纔可以進入調性以外的世界

一定要，調性是基礎。所有的音樂都是要依照調性發展的，無論哪種類型的音樂，都是有調性作為依據。