有哪些有內涵、有深度，看幾遍都覺得不夠的電影？
文/星夜行
李滄東導演在戛納電影節費比西獎競賽單元獎作品《燃燒》。
和同期大發異彩的奉俊昊執導的《寄生蟲》相比，《燃燒》看第一遍的時候，只是覺得有點晦澀，沒有《寄生蟲》那般工於技巧，但隨著時間的推移，對於《燃燒》的喜愛逐漸勝過《寄生蟲》。
《燃燒》改編自村上春樹短篇小說《燒倉房》，堪稱一次由文字到影像完美的轉變，李滄東作品中的文學性和鏡頭下的質感，男主角劉亞仁的精彩表演以及女主角全鍾瑞那一場夕陽下的獨舞，都非常好地還原了小說裏的意境和味道。
電影相比於小說，確實是加了不少李滄東導演的私貨在其中。
第一點便是男主角的設定有所改變，雖然同樣是被生活壓迫的底層階級，但小說裏男主是結了婚的，有家庭的，並且沒有明確表示和女主角發生了性關係，只是單純地聊天，聊心裡話。而在電影裏，男主角鍾秀更像是男版的惠美，他的母親早已離開，父親也身陷官司，姐姐已經出嫁，他在家裡的場景都是一個人的獨處，他本身也就是一個「倉房」。
這樣的設定改變，是將村上春樹小說裏的朦朧感給戳破了，導演生怕觀眾不理解男主角本身就是個倉房，所以將原先有家庭的男主換成了一個單身已久孤零零的宅男，並且也正是通過這樣的設定，纔有了之後和惠美的乾柴烈火，以及最後結局的不同。
第二點私貨在於女主小時候的「落盡井底無人問津」，這一點電影裏補充的情節，也是為了凸顯和強調「倉房」的「存在感極低」。在這一方面，導演還設置了一定的懸念，男主的記憶，女主惠美母親姐姐的記憶，場地工人的記憶，男主母親的記憶，是不一致的。也正是這種不一致的矛盾和懸念，才讓觀眾對於人性薄涼的心驚。
第三點大改動的地方在於結局，小說裏的男主由於自身和女主關係並不緊密，所以並沒深挖幕後真相，只留下了一個細思極恐的結尾。而在電影裏，由於一開始人物的設定便有所改動，所以同為「倉房」的宅男宗秀是在不斷地探索真相的，在看到手錶和貓的時刻，導演便已經將小說裏那個細思極恐的真相給血淋淋地擺在檯面上了。最後男主的爆發，也在情理之中，燒倉房這個舉動最後也有了體現，一把大火將豪車帶人焚燒得一乾二淨。
最後，還有一點不得不提，男主角和父親之間的情感糾葛，李滄東還參考了福克納的小說《燒馬棚》，燒馬棚的存在其實和燒倉房類似，都在探索人類內心的古老真理和它存在的真實性。
電影的四處改動，在我看來，是為了增添故事的戲劇張力，使得一篇劇情平談的短篇小說能夠足以支撐一部電影的時長，同時，這幾處改動並沒有破壞故事的內核，李滄東導演只是通過這些增添的內容，不斷地強化電影所要表達的「倉房」這個概念，有關階級差異的討論，以及懸疑色彩，都只是額外的附帶品罷了。
身為一個電影愛好者，推薦十部自己看過多遍的電影吧：
1、《燦爛人生》 La meglio gioventù (2003)
這部電影是一部溫柔的史詩。故事從1966年進行到2002年，用一個家庭的悲歡離合娓娓道來生動細膩的義大利往事，沒有刻意煽情但潤物細無聲地沁透著觀眾的內心。
每次看完電影都有閱盡人生之感，有些人成長，有些人出生，有些人老去，這一輩子，你會遇見很多人，他們無時無刻不在改變著你的人生。但最終，你要明白，和自己愛的人在一起是幸福的事情，這是最燦爛的人生。
2、《海街日記》 海街diary (2015)
生活中的人來來又去去，自己的日子還是要一步一步走。電影始於葬禮，終於葬禮，卻感覺不到悲傷，如綾瀨遙的笑容，安定又給人希望。
鎌倉，小鎮，海，房子，家，食物，四姐妹，是親情和生活的美好。有死亡，有別離，有苦樂參半的記憶，四季的風景輪迴，一切都好美。
3、《美國往事》 Once Upon a Time in America (1984)
有人說，姜文的《陽光燦爛的日子》，楊德昌的牯嶺街少年殺人事件，韓國的朋友裏都有這部電影的影子》……
每次重溫這部電影都會感觸更深，當聽到主題曲響起時總會熱淚盈眶。電影的前半段笑中帶淚，後半段又讓人百感交集。彷彿閱盡了人生的酸甜苦辣，遲遲走不齣電影的情緒。
莫里康內的配樂，精妙的多線敘事和人物刻畫，多樣的匹配剪輯，德尼羅的演技和詹妮弗康納利驚為天人的美貌……每一點都足夠引人入勝。
4、《醉鄉民謠》Inside Llewyn Davis (2013)
這部電影是一曲失敗者之歌。整部片子形成一個失敗者的輪迴，從頭到尾，仍在原地。
不論在哪個個時代，總會有這麼一羣人，他們懷揣有夢想，並為夢想奮鬥過，可惜，最終他們失敗了，他們所擁有的，大概只有回憶。
5、《弗蘭茲》 Frantz (2016)
這是部以一戰為背景的愛情片，拍得很美，古典沉穩的氛圍，內斂而剋制。一段無法兌現的感情，引人入勝。
在炮火紛飛的戰壕，一聲槍響醞釀出日後的情感糾葛；在離別的車站，一句「一切都太遲了」令感情戛然而止。可是愛情的種子早已在正午的河灘、喧鬧的舞池，以及悠揚的小提琴聲中被種下。這世間太多的無疾而終，並非情薄，只因情深。
6、《花火》 HANA-BI (1997)
北野武在電影中所營造的一種溫柔又孤獨的氛圍，突如其來的暴力和貫穿始終的沉默，都在無形之中擴大這種窮途末路的疏離感。
第一次看這花火的時候只是覺得很哀傷，重看感覺完全不一樣。這部電影應該是北野武對人生的反思。最後北野武老婆說謝謝對不起，還有在潮汐聲中知道最後的結局，真是揪極了。
7、《綠地黃花》 (2015)
這是一部悲慘卻不乏真善美的越南電影，沒有刻意煽情，但故事卻相當動人。
貧窮的越南鄉村在導演的鏡頭下一切都唯美到令人窒息，情竇初開的少年愛慕，磕磕碰碰的兄弟情誼，沒有任何虛假和做作，外加一點童話和寓言元素，讓單純美好而傷感的情緒瀰漫全片。
8、《時時刻刻》 The Hours (2002)
電影講了三個癲狂的女人的故事，透著一股極致的病態的美。
「一個清晨，我在晨光中醒過來，感到生命有無限可能。我一直都以為那是幸福的開始。那不只是開始，而是幸福本身。有些人，生來就不能體會普通人的快樂，不能逃脫，不能憧憬，也不能後悔。」
9、《誰先愛上他的》(2018)
這部電影包含一個動人的同志愛情故事、一個女性獲得完整角色弧的故事、一個母子之間從針鋒相對到相互諒解的故事、一個對同志感情認同的故事。電影中的角色不多，但每個角色都要處理各種關係
第一次看完這部電影時想起許常德寫過一首歌：「愛你是一條不歸路，一度我非常孤獨，但是我更怕漂浮，不知道身在何處」。愛太疼了，同性、異性、夫妻、父子、母子......的愛統統都很疼，但相較於無愛的人生，還是又愛又疼的人生才痛快、纔不用漂泊無歸處啊。
10、《少女情懷總是詩》 Bilitis (1977)
一部過於美好，近乎虛幻的電影。
夢幻的配樂加上夢幻的畫面讓整部片子都充滿了青春和慾望的氤氳，無限傷感的音樂和少女的夏天，當Bilitis回到學校的房間好像一生的歡愉都變成過往。
《寄生蟲》
《被嫌棄的松子一生》
《阿甘正傳》
《肖申克的救贖》
《當幸福來敲門》
《幸運鑰匙》
《傲慢與偏見》
《了不起的蓋茨比》
《白日夢想家》
《愛樂之城》
《愛在黎明破曉前》
如果要我選一部電影，有深度有內涵的那種。那我一定推薦這一部雞湯電影。
《三傻大鬧寶萊塢》曾經被譯名耽誤的優秀影片，雖然現在一定程度上，這部片子已經被正名，但仍有一些新觀眾，因為他的名字望而卻步。
他從始至終都在表述一個問題，你費勁巴力地考入好大學，到底是為了能力，還是為了學歷？
你的興趣能否成為你的職業？是否外人眼中的律師、醫生、工程師這種高端職業，更合適你的人生？
這是一部讓人覺得笑點不斷的電影，但討論的問題，卻是很嚴肅的。
為什麼我說他是雞湯片呢？因為英雄不問出處的年代，已經漸漸走遠了，我們面對的生活是，可能初中老師，都需要研究生、博士生了。據說要是進入一個好醫院，沒個博士是不行的（聽人說過一嘴）。
所以說，先不論你在學校學的是啥，學的怎麼樣。如果你沒有「學歷」這個敲門磚，你壓根進不了人家的門，就像張雪峯老師說的，他在他齊齊哈爾的母校，校招時，世界五百強根本不會來。雖然五百強們，一直說歡迎各種人才。
但我為什麼依然推薦這部雞湯電影呢？因為我覺得他表述的核心主題，是不浮躁的，積極向上的。多學些自己喜歡的東西，總會藝多不壓身。就像我從初中就喜歡開始寫文了，一開始打字速度，還沒有班級上喜歡上網吧聊QQ的人打字快（我是大三開始接觸的網路），但是到現在，已經是身邊打字最快的仔。而且對於分析動漫、遊戲、電影情節，幾乎能說的頭頭是道了。
想要表達的一件事情，我基本也能用文字將其表述清楚（但是沒有新聞系那幫專業的強，還是有點囉嗦的）。大學時，由於不喜歡自己的專業，學習了PS和PPT，雖然都是些基礎技巧，但現在基本做遊戲圖文攻略時，都可以簡單製作出自己想要的圖片。
學習到的東西，終歸有用處。而人生並不全是和「錢」綁定的。如果想做一件事，卻沒能力做的話該有多痛苦。我比較痛苦的地方就是，自己是個音盲，看不懂五線譜。本來有一點繪畫技巧，不過沒經過學習，也沒錢學。想到了好多畫面畫不出來，再有就是想學做視頻，把一些搞笑的東西發出去，分享+賺錢。但是一直猶豫做視頻軟體付費，自己又學不會，所以一直沒敢弄。
不說我的事情啦，下面談談電影。
回歸電影：
這部電影笑點與淚點交替，情節安排之精妙，前後伏筆埋設，真是堪稱神作的存在。
阿米爾汗的主角身份隨著故事的進展，在現在與回憶兩條線的交織下反覆橫跳：神祕人→富商家的孩子→窮人家的孩子→科學家。
隨著阿米爾汗身份的變化，關於阿米爾汗的角色價值也在不斷地升華。
他看起來敢與老師頂嘴，有獨特的思想。是因為他是富商的兒子，敢於亂玩。病毒教授更是以他的身份，分化他的兩位朋友。
但隨著故事的進展，我們知道了，阿米爾汗只是富商派去頂替自己兒子獲得學位證（敲門磚）的工具。而阿米爾汗之所以用盡一切力量去學習，正是因為他對知識本身的熱愛。在這裡，直接呼應了他一開始教給「貧窮的搬運工釐米」如何「偷偷上學的方法」。因為他小時候就是這麼學習知識，以致於被人發現的。
最後的神祕科學家身份，更是令最初與他打賭的放屁男（追求名利的那個男人）完敗。這可是從頭埋到尾的大暗線啊。看完之後，直呼太厲害了。
至於故事中，攝影家，迷信男，女朋友，病毒教授等人經過與主角相遇的次次轉變，便不一一細說了。
他這個故事結構，實在是特別精鍊，NB。每個人物的心理轉化都做的太棒了。
淚點密集的名場面，大概有
「做好了飛行器，學長卻死了。」
「迷信男為了不構陷男主，跳樓自殺，最後被好兄弟們從昏迷中喚醒」
「攝影男的父親，對攝影男說『把電腦退了吧，兒子，用這臺筆記本電腦的錢，給你買一個專業攝像機，夠嗎？』」
「迷信男面試，說：『我摔斷了腿，才真正的重新站起來。無意冒犯，您如果需要我改變現在獲得的生活態度，那麼您留著您的職位，我保留我的態度。』」
「雨中，男主協同全校大學生，拯救懷孕昏死的病毒教授女兒，直至母子平安。」（高燃片段）
「教授將珍貴的筆，交給了男主。態度的轉變，以及優秀的傳承」
其實，在整個故事中，我並不痛恨病毒教授，也不認為那個卑劣的放屁男是失敗的。
病毒教授擁有非常優秀的學術水平，和非常專業的教學方法。比起那些學術造假，喜歡走捷徑，將兒子走後門進到自己高校的學術敗類不知道高到哪裡去了。
男主的理想雖好，但難以落地。如果學術圈都是病毒教授這樣的人，有些問題，可能反而便不會存在了。
放屁男的手段的確卑劣。但他本人也的確特別努力，應該已經算最優秀大學中裏的狀元級別人物了。但他太想實現階級跨越，並且證明自己已經是人上人了。
所以才令人這麼討厭，對於大部分普通人來說，都是難以望其項背的。
影片中，對迷信男後來日子過的好了這一點。並沒有濃墨重彩的描述，但從他開始時很大的房屋，漂亮的妻子，可以看出他已經成為一名優秀的工程師了。
用力，但不過猛，也是這個片子，我覺得十分優秀的原因之一。
如果沒看過的小夥伴，一定要來看看呀。
推薦10部吧，絕對有內涵、有深度！
《小丑》
高超嫻熟的掌鏡功力，精湛絕倫的表演技藝，造就了一部超凡脫俗的《小丑》。它不同於漫威的任何一部電影，甚至也不同於DC的任何一部電影。因為《小丑》並非俗套的超級英雄片，導演跳出窠臼，轉而去挖掘小丑成長的起源，分析小丑之所以成為小丑的深層因素。
這是一部糅合社會現實、道德倫理和人文關懷的犯罪片，嚴肅的社會關切，緊張的心理衝突，鄭重的底層關注，深刻的人性剖析，告訴我們是千瘡百孔的社會和冷漠無情的人世「製造」出了小丑。
病態的社會造成了反社會，缺位的政府導致了無政府。用大笑來表現痛苦，用癲狂來釋放壓抑，又豈止是小丑一人。最後一幕，千千萬萬個「小丑」從地下走上了舞臺，烏合之眾走向了集體狂歡。
華金·菲尼克斯以其出神入化、爐火純青的表演使得小丑這一人物形象全面立體化，以前我們說「希斯·萊傑之後再無小丑」，現在也許可以修正為「鳳凰之後再無小丑」。
最後將拙詩《小丑》獻給這本佳作：
不要給我希望
只給我餬口的食糧
不要給我夢想
只給我過冬的衣裳
我是冬天的知了
傳達生死不明的聒噪
我是夏天的小丑
將酷暑滾成一個雪球
《阿爾法城》
作為魅力型統治者克里斯瑪的化身，阿爾法60是阿爾法城的主宰者，這裡不允許哭泣，違反邏輯即可入罪。一位化外之人闖入，帶來了愛和良知，帶來了黎明的曙光。
《阿爾法城》是最早的反烏託邦影片之一，有喬治·奧威爾和漢娜·阿倫特的影子。阿爾法城就是「大洋國」，阿爾法60就是「老大哥」，極權主義的統治方式表現為對邏輯的嚴格遵循。
當然還有馬克斯·韋伯的影子，形式理性與實質理性的衝突，工具理性與價值理性的對峙。《阿爾法城》是部驚悚的黑色科幻，也是警世的人類寓言。
《黑炮事件》
西方學者哈貝馬斯提出了「技術理性」這一概念，認為技術規則是作為一種目的理性的（或工具的和戰略的）活動系統。但在中國，傳統上佔主導地位的是人際理性，普遍缺乏技術理性和科學理性。
《黑炮事件》是這一典型特徵的影像化表達，講述了技術工人趙書信丟失象棋上的一枚「黑炮」而引發的一系列啼笑皆非的連鎖反應。影片雖一派冷峻嚴肅的氣象，本質上卻是一出反話正說的諷刺劇和荒誕不經的滑稽劇。
羅伯特·C·埃裏克森在其著作《無需法律的秩序》中提出了「法律更多但秩序更少」的弔詭命題。或許我們也需要反思，為何規則（規章）更多但秩序更少。
《通天塔》
人類希望能夠建立起通往天堂的巴別塔，上帝卻讓人類說不同語言，導致無法溝通，築塔計劃最終失敗，人類各散東西。
三個故事，遙相呼應卻又息息相關，《通天塔》以多線敘事的方式，為電影文本構建了一個網狀結構。即使語言不同，種族不同，國度不同，卻被同樣的命運支配著。即使身份不同，經歷不同，思想不同，卻被同樣的悲苦裹挾著。
無處安放的悲苦，無法消除的芥蒂，無從消解的情緒，終於累積成「悲劇的誕生」。
但我仍願相信，人類的悲歡雖不相通，但眾生皆苦，我並不覺得他們吵鬧。也堅信，在最黑暗的夜裡，一定會有最明亮的光。
《野戰排》
由於越戰對美國社會運動的發展與衍變產生巨大影響，好萊塢許多電影便以此為題展開批判、反思與建構。其中奧利弗·斯通的「越戰三部曲」可謂越戰題材電影的代表作，包括《野戰排》《生於七月四日》《天與地》。
《野戰排》大概七八年前就已經看過，卻沒有留下深刻印象。重看此片，諸多鏡頭逐漸將舊時的記憶碎片一一打撈上來，尤其是片中士兵們在越南村莊的小型屠殺，以及伊萊亞斯被眾多越南士兵追殺時孤獨而又悲壯的身影。
在好萊塢一眾大牌導演中，奧利弗·斯通尤其偏愛政治類題材並拍攝出了許多經典作品。最為可貴的是，導演面對電影、面對觀眾、面對國家時無所畏懼、十分誠實，不美化醜惡，不掩飾弊病，不隱瞞真相。正如《野戰排》，影片毫不掩飾對越戰的反省和對政府的批判——最大的敵人其實是自己，敵人就在自己心中。
即使如此，抑或也正因為如此，奧利弗·斯通才是一個真正且偉大的愛國者。
《機械姬》
我一直認為，一流的影片構建世界觀，二流的影片樹立人生觀，三流的影片灌輸價值觀。從這個角度來看，《機械姬》屬於一流影片無疑。《機械姬》可以說是近年來最好的硬科幻之一，它有著冷靜穩重的外殼，更有著殘酷深刻的內核；它展現了人機互動的表象，更昭示了人機衝突的本質。
影片對人工智慧的探討，就是對人類未來的思索，儘管這個探討有個悲觀甚至絕望的結局，但這個結局足以使人類復盤人工智慧的起源，思考人工智慧的發展。
也許我們無法猜到人工智慧的最高階段是什麼，但大概可以猜到其最終結果，那很可能是人類成了自身的掘墓人，而人工智慧則是這個世界上的新物種，也是唯一的物種。
這就是《機械姬》的存在意義，它有大膽的假設，也有小心的求證，容量雖小卻格局宏大，對白雖淺卻立意深刻。
影片自始至終瀰漫著一股文藝氣息，但從更深層次上講，本片更像是一篇寓意深長的科幻寓言，它警示我們，即使人類創造了人工智慧，也不應以造物者自居，而應時刻保持謙卑的姿態，因為這種姿態不僅牽引著人工智慧的走向，更決定著人類的生死存亡。
《痛苦與榮耀》
弗洛伊德在《夢的解析》中認為，童年時受到壓抑的願望，治癒過程伴隨一生。同時也認為，夢是願望的達成。安東尼·班德拉斯在知天命之年受到生理和心理痛苦的困擾，在吸食海洛因時，不時回憶起童年的場景。回憶難道不也是一場夢？
在《痛苦與榮耀》中，阿莫多瓦一如既往地傾注了大量的私人情感和個人體驗。這是一部徹徹底底的作者電影，觀者只有做到感同身受的語境代入，方能做出恰如其分的客觀解讀。
影片不是畢加索式的野獸派表達，而是更類似於超現實主義夢幻派。超現實主義畫家強調夢幻與現實的統一纔是絕對的真實，力圖把生與死、夢境與現實結合起來，具有神祕、恐怖、怪誕等特點，其淵藪便在於弗羅伊德以夢的解釋開創的精神分析新時代。如此，這與《痛苦與榮耀》的影像風格十分契合。
淅淅瀝瀝的夜晚，雨聲不絕於耳，甚是動聽。在這樣一個大夏天，躲在房間，偷偷看歐洲悶片，誰說這不是一種「審慎魅力」呢？
《成為約翰·馬爾科維奇》
《成為約翰·馬爾科維奇》可以說是我看過的最深奧的電影之一，它不同於《盜夢空間》《禁閉島》需要充分調動腦細胞的電影，也不同於《星際穿越》《超時空接觸》需要儲備大量硬知識的電影。想理解這部電影，不僅需要屏氣凝神地靜心觀看，還需要充分展開自己的想像力，不過最重要的是要看一遍一遍再一遍。當然，理解並不等於看懂，不過理解就夠了，也許這部電影本來就沒有標準答案。
主角是一個失業的木偶師，在檔案管理員的新工作上無意中發現了牆角的一個入口，而這個入口正好可以進入演員約翰·馬爾科維奇的意識之中，從而可以感受和體會到約翰·馬爾科維奇所經歷的一切。之後的戲劇衝突正是圍繞這一入口而展開。因這一入口，產生了愛與背叛，也產生了怪異和荒誕。
這正是一部怪異的電影，不落窠臼，不入流俗，展現了一股荒唐的正經；這也是一部荒誕的電影，奇異詭譎，如夢如幻，透露著一股邪魅的氣質。電影中充滿了過多的隱喻，每個隱喻又有不同角度的解讀，從而使影片極大地拓展了自身的容量，散發著經久不衰的魅力，為影迷所津津樂道。
人的意識是可怕的詛咒，或許影片中的這句臺詞就是本片的點睛之語。猩猩蜥蜴沒有思想，依然可以了此一生；而即使是一個著名演員，在某種情況下也不過是一個提線木偶，為別人提供了一個寄生的軀殼。
現實生活中我們都堅定不移地相信我們每個人都是獨立的個體，你是你，我是我。看完本片，或許你我都會有一絲動搖。
《巴頓·芬克》
《巴頓·芬克》可以說是是科恩兄弟所有作品中最為含蓄隱晦的一部電影，它理性缺失，真亦假時假亦真，有著後現代主義的的詭異荒誕；它邏輯斷裂，無為有處有還無，有著超現實主義的虛無縹緲。
一個小有名氣的劇作家來到好萊塢，渴望實現個人抱負，卻遭遇了創作上的匱乏和思想上的桎梏，以至於遊離於現實與虛幻之間。也許這就是劇作家的真實處境，侷促不安的現實生活與苦悶乏味的精神世界無法調節，從而出現了神經質般的狀態。而虛偽功利的好萊塢無疑也是加害者，大名鼎鼎的劇作家竟是欺世盜名的酒鬼，禮賢下士的電影公司老闆也不過是刻薄勢利的偽君子。這一切都說明瞭好萊塢不是一塵不染的天堂，這裡只是魚龍混雜的鬧市，每天都在上演著鬧劇而已。
這就是科恩兄弟眼中的好萊塢，人物是假的，故事是假的，甚至於電影也可以是假的，但現實是真的。這就是科恩兄弟的風格，他們不會苦口婆心地教給你怎麼做，他們只會把血淋淋的事實展現給你，告訴你，這不是電影，這就是人生，這就是生活。這就是科恩兄弟的態度，他們從來不會搖尾乞憐地討好觀眾，也不會居高臨下地蔑視觀眾，他們只是用一部又一部的優質作品贏得了所有觀眾的尊重。
《心理遊戲》
大衛·芬奇是少數幾個無視觀眾大腦開發水平、藐視觀眾觀影體驗的導演，這次他又用《心理遊戲》再次壓榨了我們的智商。看懂了不必沾沾自喜，因為結局依然會顛覆你的自以為是；看不懂也不必抓耳撓腮，因為每人自有其角度的「哈姆雷特」。
影片主人公是一個事業上較為成功的投資銀行家，可生活上卻是一個徹徹底底的失敗者。與妻子婚姻破裂，也沒有友誼的存在，唯一的朋友或許就是他的弟弟。他的弟弟為了幫助他更好地認識這個世界，也重新認識自身，從而設計了一系列詭異的遊戲。男主在這些遊戲的操縱下，由期待轉為憤怒，由憤怒轉為絕望，而最後男主從高樓的奮力一跳，劃出了一道反轉的弧線，弧線兩段則是迥然不同的人生。
客觀的說，影片在劇情方面有不少硬傷，不過依然是一部懸疑佳作。片中的遊戲不止是為主角設置，其實也是給所有人設置的。通過這個遊戲，挖苦了人際關係的物化，諷刺了人情的冷漠，也狠狠戲謔了現實生活一把。
也許這就是大衛·芬奇的懸疑片，它蘊藏著冷酷，裹挾著不安，也傳達著絕望。即使撕開了這些外衣，我們依然看不到任何希望。
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