思考了很長時間可是表述不出來
只說形式美的這方面。
構圖,筆觸,色彩三個因素缺一不可。
1.構圖。我們來看一個經典案例。
教科書一般的構圖實例,在成畫之前,拉斐爾進行了很長時間構圖的設計。
在不斷的畫草圖,觀看構圖效果之後,最終確定了我們所見的《草地上的聖母》的最終構圖。
既保留了人物之間相互的交流關係,又不會因為過於對稱而顯得呆板,與背景的融合也恰到好處,這也是為什麼拉斐爾畫中的構圖經常被後世古典主義畫家「致敬」的原因。
2.筆觸
古典主義時期的繪畫盡量避免表現出「筆觸」的痕迹,因為古典美所期待的是一種無瑕疵的標誌美。
但經過畫家們不斷的嘗試,發現事實上顏料的厚度可以增強視覺上的「觸感」。因而喚起更多維的美感。
乾草車
在「筆觸」上更有創新意識的是中國古代水墨畫,早在六朝時期,畫家們就已經在發現筆墨的獨特韻味了。
3.色彩。
古典主義繪畫更追求典雅、深沉的色調,在他們的意識中,色彩只是為素描的形服務的。
普桑是這一派別的代表。
而另一派的代表魯本斯卻發現了色彩本身獨立的美。
在此不具體展開「色素之爭」了,但可以發現的一點是,色彩派確實使用更為明亮的顏色,使繪畫整體更為醒目,也增加了畫中人物的生命感。
但色彩的使用需要符合畫面整體的尺度,「美」與和諧有關,與畫面各因素之間的關係有關,能夠將畫面保持在和諧之中,就可以達成視覺上的「好看」了。
以上,希望有所幫助。
對我來說,畫里的美大概是感染力吧。美不止存在於畫作的形式上,更存在於畫背後的情感里。只停留於表象上的美可以叫做好看,而具有感染力的美則是更深層更細膩的。
舉個 ,梵高的《杏花》
美沒有標準,就算有也是屬於某個時代的標準。
另外,美是相對的,不是絕對的。
很多時候,我們現在所知道的油畫作品,大多都是歷史地位和藝術價值有關,至於單純的討論美,沒有一個嚴格的定義。
昨天正好寫的17世紀的荷蘭畫家,維米爾。拿他舉例,討論下這個問題。
維米爾一生拮据,他要養11個孩子。畫也不是多出名,沒掙多少錢,但是200年後,評論家發現了它的價值。我們當然不能單純的說,他的畫是美還是不美。
當代繪畫,參考還是,是否符合現在和主流審美。
看一幅畫,參考的依然是他的創作理念、色彩、光影、筆觸、構圖等等。
依然拿維米爾舉例子。
這幅畫被稱作北方的蒙娜麗莎。
它的神秘之處在於,這個人是誰無從得知,她想表達的是什麼也無從得知。在色彩上他用了小面積的對比色,整個畫面的色調和諧,並沒有因為頭巾的對比色打破畫面的和諧。
另外對於光影的處理非常的細微,小小的筆觸,把光的轉折刻畫得非常細膩。
然而這些理解與解釋,都需要有一定的理論基礎,至於美不美,其實依然是觀畫者最直觀的感受。當你看到這幅畫時,被女孩的眼神所吸引,你讀到了她傳達出來的某種情感,那這幅畫就是美的。
一千個讀者就有一千個哈姆雷特。當欣賞一幅畫時,用自己的知識儲備去解讀,你發現的,那便是美。
我的專欄有寫一些畫家的小故事,大家可以關注,一起討論哦~
謝邀~
簡單來說就是這樣。