如何去分析攝影攝像？

有什麼辦法可以提升自己審美，一張照片應該怎麼去分析他怎麼拍的，一個短片要怎麼去拉片，真想有個人指引下方向

你說的這個事比較複雜。

因為圖片攝影跟電影攝影不是一回事。

電影攝影師和電視攝像師傅的工作也相去甚遠甚遠。

但是這個問題中是有一些共通性的，也就是這個共通的部分就是影像造型的問題。

首先什麼是影像造型？我們找一些他的屬性。

首先毫無疑問，影像造型是二維的平面造型。那麼在這一點上，它勢必帶有一定量的繪畫藝術的特質。

其次，影像造型是有作者與實體的。那麼它必然有它的手藝要求與技術指標的要求，而後這個「要求」又會轉化回一種創作手段。

那麼這兩點事實上構成了我們評價分析影像造型的兩個方向：技術手段，與平面藝術造型。

首先從技術手段來說，無論是電影攝影師還是圖片攝影師，大家都有著一套技術流程與指標。比如曝光準確，焦點清晰，噪點少，景深合適等等。那麼在分析作品的時候，我們恰恰要使用的就是這些技術手段。因為技術手段就像是科學的量綱。我們描述一個物體的長度寬度，我們使用「米」這個單位，它有7米長15米寬。而我們描述一張照片的曝光，就要用到進光量與反差這些概念。比如整體的低調影像，曝光點以上只有一檔，而畫面大部分區域落在了下三下四檔左右。

在這種個層面上，電影攝影就是四大基本手段：反差色彩構圖運動。

那麼幾乎每一個電影鏡頭，我們都是要依靠這四個基本手段去創作。

那麼電影攝影師們，通過這四個手段最終創造出了什麼東西呢？一個動態的二維平面影像。

那麼在造型和體驗上，我們就要去考慮這個造型的根源在什麼地方？有一種分析思路是從繪畫中找靈感與源泉。

比如說在學習素描的時候，我們都要學黑白灰。這個事實上就是影像反差。在黑白攝影中，我們也同樣需要用光線去塑造反差，確立亮面，暗面，過度的位置等等。

同樣在繪畫的色彩中，也有著色彩創作的觀念。比如說對比色，互補色，高級灰等等概念。儘管一直以來，傳統的色彩觀念都認為色彩只是反差造型的附庸。而印象派和印象主義的觀點則認為色彩可以成為畫面的主導。

這個分歧呢，事實上可以認為是「彩色電影」對「彩色黑白電影」的一次宣戰。

如果各位看過瑪麗蓮夢露的一些電影，比如《七年之癢》。以及同時期的許多彩色電影。事實上這些彩色電影僅僅是彩色而已，他們的造型手段仍然是反差與光影。而直到七十年代新好萊塢電影運動之後，來自歐洲的攝影師們才將主觀性的色彩帶到了好萊塢電影中。比如斯托拉羅在歐洲拍的《同流著》《巴黎最後的探戈》以及他來到好萊塢之後拍攝的《現代啟示錄》。

在這次宣戰中，攝影師們開始強調色彩。

這些創作的藝術理念又是如何被呈現出來的呢？就是依託攝影師的技術手段比如鏡頭前的濾鏡，曝光方式，布光手法，後期洗印技術、調色、配光等工藝。

而繪畫上的另一個方向則是線條與空間感。比如透視關係，線條關係，形變等等。

而在攝影中，這些關係就形成了構圖。

那麼攝影師的構圖，事實上就是通過改變焦距（畫面空間感），被攝距離（景別）來實現。

很多人最開始拍照片的時候，會習慣性的用變焦來改變物體的佔比。比如離得近的人就用廣角來拍，而遠的人就用長焦來拍。

但是很快，入了門的攝影師就會進入到上躥下跳拍攝的狀態。因為此時呢，他會根據主題先選擇焦段。然後在這個焦段下去選擇攝影機位拍攝。焦段來決定畫面的空間感，而被攝角度與被攝距離來決定構圖與景別。

而運動這個事，事實上是攝影最令人痴迷的地方。

每一個第一次拿到單反的人，大家都會去拍光繪或者高速的車流。以及買個nd拍流水、瀑布的慢門。而也會有一部分人，他們會研究，如何拍到水滴在空中凝結的瞬間。那麼在平面攝影中，高速快門和慢門，確實在很大程度上會塑造出畫面中的運動感。但是這個感覺並不是運動本身的含義。

運動事實上是攝影機在拍攝中的機械運動，其實就是推拉搖移跟升降。

而重點在於，攝影機的運動是在一段時間內做了構圖與拍攝角度的連續改變。那麼人物與空間之間的關係也在發生這連續的改變，而在這種運動中，事實上是影像情緒的持續輸出。這一點上在胡波的《大象席地而坐》，畢贛的片子，塔可夫斯基，貝拉塔爾。展現的比較極致。

運動的另一個方向是場面調度，也就是好萊塢愛玩的長鏡頭挑戰。傳統的有希區柯克的《繩索》，2002年完全一鏡到底拍攝的《俄羅斯方舟》，2015年的《鳥人》以及今年的《1917》。這一類運動更偏重玩法和敘事性，有興趣可以多看一些相關的片子。