我認為文藝復興時期畫家的畫技「開掛般」提升是有很多因素綜合作用的。除去透視法的運用，還有很多外在和內在因素的影響。

西歐中世紀的藝術附庸於宗教，藝術存在的意義是為了傳播宗教。中世紀的歐洲戰爭頻發、普通人民生活痛苦，基督教的來世理念也理所當然佔據思想主流。同時，伴隨生活水平低下的還有識字率的低下，普通民眾要接受宗教教化卻不識字，就需要通過宗教畫來了解宗教，獲得拯救。隨著義大利商業逐漸發展，富人通過捐款和耶穌的「有錢人要上天堂，要比駱駝穿過針眼還難」達成了和解，基督教發展更加壯大，每個新興商業城市都有至少一座教堂，而濕壁畫作為一種較馬賽克、雕塑成本更低的方式得到了更多的採用。

但由於神性高於人性的理念，早期濕壁畫的人物（準確的說是神）都是沒有表情的，再加上對人體結構知識的缺失，古羅馬古希臘文化的斷層，造就了早期濕壁畫給我們一種僵硬的感覺。隨著商品經濟的發展，義大利資產階級逐漸壯大，人文主義思想逐漸復甦，在神聖的宗教畫的人物臉上逐漸加上了表情（喬托是第一個加表情的人，同時也是使用透視法的第一人），這些神被賦予了人的感情，逐漸生動了起來。

同時期，奧斯曼帝國的崛起使東羅馬帝國的疆域逐漸萎縮，直至1453年君士坦丁堡被攻陷，拜占庭的學者、藝術家不斷帶著他們的馬賽克藝術、所傳承的古希臘羅馬藝術逃亡曾經的西羅馬；而在義大利本土也有在不斷地發現古代遺迹和遺產，如著名的拉奧孔等古羅馬雕塑，這樣文藝復興時的藝術家就得以如饑似渴地觀摩他們古老前輩的作品了。然而這一時期的穆斯林和基督徒也並非完全對立，在無數往來的商業活動中，亞洲和北非的藝術品也得以通過印度人、阿拉伯人、威尼斯熱那亞佛路倫薩人的中轉最終集結在義大利。

成功的男人背後都有一個女人，成功的藝術家背後也都有一個贊助商。叱吒風雲的美第奇家族因銀行業在佛羅倫薩崛起，有錢人家為了信仰得救大蓋教堂，在繪製濕壁畫的同時也不忘把自己作為一個人物添加到畫中去。藝術贊助商們如富商、教會供養了大批的藝術家，更有甚者直接開始培養藝術人才。為滿足消費者的不斷提高的需求，畫家也必須提升自己的業務能力，來在激烈的競爭中脫穎而出。像波提切利、達芬奇、米開朗琪羅、拉斐爾等等大名鼎鼎的人物都為這些贊助商們打過工。時勢造英雄，英雄造時勢，在天時地利人和的時候誕生的這一連串天才也為畫技的飛躍帶來了巨大貢獻，更別說他們為建築學、解剖學等等的貢獻了。（需要注意的是，這時的大件還是以濕壁畫為主，如《最後的晚餐》《創世紀》，並且畫家仍是主要以接訂單創作為主，完全的自由創作還要到幾百年後了）

由此簡單總結一下，在除去透視法，人文精神、商業貿易、贊助支持以及天才的誕生，都是導致文藝復興時期畫技大幅提升的原因。

謝邀。

大衛 霍克尼，就是那個老是畫游泳池和裸男的英國當代最有影響力的畫家，早就提出過這個問題。

他認為從1420年以後，西方繪畫技巧明顯提高了，原因在於他們用了光學儀器，但都對此三緘其口，就像明星打死都不說整容了一樣。

在他看來，楊凡愛克徒手把一盞吊燈畫成這樣幾乎是不可能的。

他說，當時畫家將畫布放在凹面鏡前，在遠處的人和物就可以被鏡子反射到畫布中來，像這樣，

凹面鏡之後又有了雙面透鏡，更讓畫家容易「作弊」，像維米爾的畫，他認為明顯是通過「暗箱操作」的。

不要忘了，用顯微鏡看萬物的列文虎克是維米爾的同鄉也是同時代人，鏡子似乎和荷蘭頗有緣分。斯賓諾莎雖然是猶太人，但我們都透過他在荷蘭小鎮的閣樓上磨的鏡片，看到了一個哲學家是如何身體力行的踐行自己的信仰。

大衛還發現15世紀西方繪畫里出現許多左撇子，斷言正是使用透鏡反轉的結果。他拿卡拉瓦喬的畫來舉例，

這個我不敢苟同的，我可以在卡拉瓦喬的作品裡找出更多的右撇子。

他還說透鏡在使用過程中會發生「畸變」，造成人物比例失調，比如夏爾丹的這位買菜回來的女子，她的胳膊太長了，按此比例，她應該有三米高。

當然我也不敢苟同。因為大部分時候，夏爾丹還是把人畫準確了的，並非每個人都是長臂猿。

所以我的看法是，文藝復興以後的繪畫的確比之前看起來更符合我們的視覺經驗，原因是：繪畫的觀念改變了。

中世紀的藝術家不是想要一心一意的像鏡子一樣反映外界，也不想要創造美的東西，尤其是當這種美無法榮耀上帝時。也就是說，那時的畫家主動放棄了部分技巧，繪畫只是傳教的手段，只要把教義傳遞清楚，繪畫的任務就結束了，。對於信徒來說，凝視著下面幅畫，，就彷彿暫時和教堂外面的可怕世界分離片刻，躲在聖母庇護之下，沐浴著天國溫暖的信徒，又怎麼會在去挑剔人物的透視比例關係呢。

況且，追求肉體的理想美是異教的古希臘羅馬留下的殘渣，中世紀的基督教世界避之唯恐不及。公元6世紀，隨著羅馬皇帝關閉新柏拉圖學院，希臘文化中最耀眼的部分——哲學，終於在歐洲消失了。西方人再次見到它們，要等待幾百年後，阿拉伯人對西班牙的征服以及十字軍東征，將流亡的希臘哲學帶回歐洲大陸，重來回首已三生。

這樣，異教的神祗終於借著藝術和哲學來到基督教世界，甚至登上了最高殿堂。

其實波提且利的比例也不準確，維納斯的左手臂簡直長得不像話，肩膀也被削掉了一樣。不過好歹，人物有了體積，不像中世紀的那種紙片人了。

文藝復興時的畫家再也不能忍受從前稚拙的畫法，而且他們認為藝術和上帝也不是對立的，認識上帝就先要認識他最成功的創造物——人。所以那時畫家都渴望能栩栩如生的表現所看到的東西。達芬奇和米開朗基羅都解剖過屍體，據說達芬奇曾耐心的等待一個老頭咽氣，好研究人是如何衰老的。

態度決定結果，加上透視法的發現，西方繪畫自然「開掛」了。

還是知乎上老生長談的問題，先問是不是，再問為什麼。

是不是突然像開掛了，當然不是。可能沒有任何一段正常的歷史是"突然"發生的。

個人，個人，個人認為，藝術史或者說繪畫史上，如果選最最重要的節點，可以選出兩個，一是15世紀五六十年代，二是19世紀七八十年代。

一是文藝復興高潮前。

拜占庭之後，契馬布埃到喬托，對繪畫的改變已經開始，在思想上。

即使繪畫主題和繪畫技術沒有改變很多，但從內容的表現上，與之前已經有很大不同了。

經過100多年，到了列奧納多·達·芬奇（今年5月2號逝世500周年）、波提切利、吉蘭達約、菲利普·里皮等等畫家的時代，繪畫思想已基本從宗教中分開。當然，有知友說到經濟原因，這也很重要。

從思想到經濟，再到繪畫技術的發展，知友說到的透視、暈染等等技法的突破，加起來這其實是一個很漫長的過程，相較於19世紀七八十年代印象派運動的爆發來說。

之後的拉斐爾、米開朗基羅等等，都不過是在這個時代背景影響下直到印象派運動。

文藝復興高潮，16世紀前葉，如果要說，可以概括到拉斐爾和米開朗基羅之間，此時前面的畫家都已經不及這兩位光輝閃耀。

而即使是到了這個時間，畫家、雕塑家的目標還是得到羅馬教廷的認可，更不是想畫什麼就畫什麼，想怎麼畫就怎麼畫。只不過是從單純的服務宗教改變到可以服務於個人了。

但古典繪畫技術經過大半個世紀，知識體系已經基本完善。拉斐爾也基本可以代表巔峰，而與米開朗基羅區別僅在於對人體喜歡的不同方面，米開朗基羅繪畫雖然算是另一種轉變，但單從技術方面，拉斐爾絕對算絕頂高手。

然後…也沒有然後了，故事太長，這裡寫不下。

我個人認為大體上有兩個原因。

第一點是文藝復興之後，發現了科學的繪畫方法——透視。其實在這之前，很多畫家們已經開始發現了透視的奧秘，但是真正把透視發提出來並且運用在畫面上的畫家是喬托，所以他也被稱為是文藝復興之父。也可以被稱為是歐洲繪畫之父。

在這之後，文藝復興的畫家門不斷完善透視技法的原理。

第二點就是，在文藝復興之前，繪畫作品大多都是蛋彩畫跟濕壁畫，文藝復興之後，油畫才開始得到廣泛的傳播和擴散，相對於蛋彩畫來說，油畫作畫的時候，調和油相對於雞蛋保存的時間更長，也更不容易變質，在無形中縮短了繪畫的時間。

回答得稍微草率了一點，見諒。

文藝復興興起之後，歐洲颳起了學藝術之風。

歷史上的少年們都跟隔壁老王的兒子一樣，

在各種美術的培訓班裡，一筆一划地練習。

為了將來考取功名出人頭地。

於是，400多年前的就開始了美術考級，他們是什麼樣的評分標準？

畫畫的命題從哪裡來？這些作品都在說什麼？

文藝復興時期的大師們，勾勒了一整套美術的體系標準。

從那時起，達芬奇就是劉德華，十項全能藝人。

引領了藝術界的新潮流。每個學美術的學生都崇拜他、封他為神。米開朗琪羅就是周杰倫，少年成名，天賦異稟。一直被模仿，從未被超越，成為開創時代的偶像。還有拉斐爾、提香、委羅內塞......

  1. 「她發了朋友圈，卻不回我微信。」

Saint John the Baptist

達·芬奇 | 1513-1516

雅典學院

拉斐爾| 1510～1511

動作標準化

你看，畫畫從來不是天馬行空，

美術考試的參考書上早就寫好了規範，

想要考出好成績的同學們，

依葫蘆畫瓢就是了！

▲實拍，上海博物館展廳內，畫家在臨摹文藝復興作品

▲作品的動作和手勢，總是那麼相似

美術課的第一節老師就教我們三原色。

即是紅、黃、藍，

這三種顏色是屬於原生顏色

這三種顏色之間的不同比例組合，

可以得到其它所有的顏色。

▲作品《阿克琉斯借鑒阿伽門農使者》巴黎美院學生的羅馬大獎

三原色定理

三原色用來標記的主角光環，

神話和史詩英雄們的光榮事迹

是學院派最喜歡的命題。

▲作品《朱迪看下尼夫斯頭顱》聖經中的花木蘭！

還有人們最愛看的北京愛情故事：

達芙妮是河神的女兒，生的迷人。

可出生就發誓要保持童真。

阿波羅看上了她苦苦追求，死纏爛打。

最後達芙妮無奈之下變成了月桂樹，

擺脫了阿波羅這個渣男。

SHE發行的歌曲《月桂女神》講的就是這個故事。

▲作品《阿波羅和達芙妮》

當我在參觀文藝復興繪畫作品時會發現牆上油畫的整齊度宛如用了拼圖軟體！

好像是期末考試交考卷，作品畫的尺寸工整有序。

當然最上方還附上了考生的班級姓名哦！

用400多年前的標準去理解美術，是不是會更了解文藝復興的了呢

再想起後來的時代的變遷印象派被排擠和否定，想起莫奈筆下那朦朧的臆想。

正因為每一個時代的瞬息萬變，由此誕生的藝術才如此精彩。

奇葩說里黃執中說過：藝術是人類文明的諾亞方舟。

我們在物質社會顛沛流離的時候，經常感到迷茫焦慮還有不幸福。

藝術的價值，在今天，早已不是金錢的追逐、權力的壟斷、和專家的象徵。

而是歷史賦予他們的意義，文明的延伸和不巧。

如果你願意跟我一起在旅途中遇見藝術。

把文明和現實鏈接在一起，點個贊之後關注我《魏醒醒的賴床筆記》分享更多的乾貨！

因為文藝復興這個詞本身的意思就是指復興古希臘、古羅馬的藝術，而古希臘古羅馬時期的繪畫水平就已經很高了。

比如：龐貝古城出土的壁畫

給一個技術解答。

推薦看一下 Devid Hockney, Secret Knowledge: Rediscovering the lost techniques of the Old Masters，並且有中譯本。這本書是2001年出版的， Hockney 本人算是很重要的當代藝術家，畫家。這本書本身也寫得非常嚴謹。如果題主特別有興趣，建議自己去學習。

下面摘錄其中的幾條結論：

  1. 歐洲寫實繪畫在15世紀以來技術的迅速提高與光學儀器的應用有關。其中的關鍵時間點在15世紀20年代，一次在17世紀。分別與凹鏡投影以及透鏡的使用有關。第一次變革是尼德蘭畫家首先重新使用了這一工具，隨後向歐洲其它畫家傳播。Hockney 分析了 Van Eyck, Van der Weyden, 等人的作品，17世紀的轉折則與光學透鏡的廣泛使用有關。
  2. 光學儀器的使用伴隨義大利文藝復興運動，從Blunelleschi, Da Vinci 到 Caravaggio 等等。Manetti 記載了 Blunelleschi 使用凹鏡的過程，Da Vinci 可以自己設計暗箱。 Caravaggio的贊助人 Del Monte 主教 是當時的光學研究大師，Caravaggio 自己極少的遺產中就有11塊透鏡。
  3. Hockney通過同一畫家短期內繪畫技法的轉變，以及同時期不同畫家技法的巨大差異發現了端倪；隨後通過研究繪畫作品，畫家間的通信，與畫家同時代的文獻找到了線索；並且他通過模擬當時的光學儀器運用在繪畫中的方式對這種繪畫方法的畫面構圖，畫面明暗對比進行了研究，最終說明了光學工具在這些作品中扮演的角色。整個過程邏輯很嚴密。
  4. 最後Hockney 大膽地推論光學儀器在古代歐洲寫實藝術中的地位。這個推論非常美妙，建議題主自己去了解。

希望我們永遠都有一顆赤子之心。

審美是有時代性的，從中世紀到文藝復興是畫風的一個大轉變。人物和透視更寫實。隨著現代寫實繪畫越來越不受追捧，中世紀繪畫可能會被重新認識。

之前看《色彩解析》的時候裡面有分析過一些，記不大清是什麼時候的事兒，就是對於雕塑啊，壁畫啊，沒有宗教的約束了，就開始發展美的丑的不同長相不同體態。那個時候繪畫大多都是牆壁彩繪，天花板（粗俗了，想不起叫什麼頂）彩繪，而且都是有要求的，耶穌什麼樣，什麼神態，聖母要凸顯什麼，彩繪的泥瓦匠也是模板速成，這之後顏料的發現越來越多，對題材要求放鬆了，各種描格子啊，素描技術普及教起來了，小工不再是只負責上顏色，還要上草稿，各方面因素都有的。

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